Furiosamente rítmico -Mi concierto en el Southbank Centre es el 7 de Junio

SouthBank-RGB¿Cómo se puede explicar que algunas piezas son deliciosas ? Sólo puedo sugerirles por ahora que vayan a el Southbank Centre, que está mucho más cerca que Caracas o Buenos Aires para escuchar y sentir que los sonidos tienen una tercera ¿dimensión, que pueden ser palpables y pueden ser saboreados; ¿tiene sentido? Por favor, hágamelo saber después de haber estado allí

Me encanta cada nota de las piezas que estaremos tocando en la tarde del domingo 07 de junio a las 4.00 pm en el muy prestigioso Southbank Centre, uno de los centros culturales de Londres que he visitado desde que era un estudiante en el Royal College of Music y donde he tenido el privilegio de tocar conciertos regularmente desde 1992.

Ya que la fecha y la hora me parecieron tan alegres, una soleada tarde de domingo, pensé que sólo un programa de piezas idem podría hacerse.

Comenzando por dos magníficas obras de Albéniz, Evocación y El Puerto, se crea un estado de ánimo que evoca tiempos pasados ​​impregnados de nostalgia y la alegría de la música que tiene elementos de la danza en su núcleo, seguido de dos Danzas Argentinas de Alberto Ginastera, de nuevo, dos gemas contrastantes del repertorio pianístico. El vals Adriana de mi amigo venezolano Miguel Astor se tocará justo antes de la Rhapsody in Blue de Gerswihn y después de esta maravillosa pieza me veré unida a mis músicos invitados para interpretar la hermosa y triste zamba de Ariel Ramírez, Alfonsina y el mar. Siguiendo con el toque femenino, vamos a tocar el Pajarillo de otra querida amiga, la compositora Luisa Elena Paesano, el público sentirá la alegría de la luz del sol de Venezuela, en sonidos, lo aseguro.

El viaje continuará a Brasil con un famoso choro de Ernesto Nazareth, Odeon,y para completar esta primera mitad el Joropo de Moisés Moleiro colmará la sala y el espíritu de los oyentes.

Plantio do caboclo de Heitor Villa-Lobos abre la segunda parte y da paso a más chorinhos o tangos brasileños como Nazaret realmente les llama. La música colombiana estará representada aquí por dos composiciones de Germán Darío Pérez,  tradicionales y al mismo tiempo, en su pasillo y en el bambuco, detectamos una influencia del género creado por Aldemaro Romero, llamado Onda Nueva.

He incluido también la famosa Malagueña del cubano Ernesto Lecuona impregnada del sentimiento andaluz y el brillante zumba Que Zumba, otro enrevesado joropo del venezolano Federico Ruiz.

Para finalizar este maravilloso viaje que estamos planeando estrenaremos una pieza del joven compositor Carlos Pérez Tabares, originalmente escrita para el piano, pero bajo mi petición ha añadido amablemente partes para el cuatro y el contrabajo; Wilmer y Ernesto han añadido la percusión y batería. Se llama Merengada de pajarillo. Voy a explicar más sobre esto en el concierto. Es realmente interesante y emocionante. Por ahora les digo que es un merengue venezolano inspirado en el llamado joropo Pajarillo.

En definitiva se trata de un programa muy especial que mezcla piezas nostálgicas, expresivas con las otras muy rítmicas rápidas y felices. Gran parte de esta música se caracteriza por el virtuosismo, improvisación, armonías cambios de ritmos sutiles y está llena de síncopa!

Realmente espero que ustedes disfrutarán tanto como nosotros.

Para boletos y más información: http://www.southbankcentre.co.uk/whatson/clara-rodriguez-piano-recital-90186

Clara Rodríguez, piano

Cristóbal Soto, guitarra, cuatro, mandolina

Ernesto Marichales, tambores

Wilmer Sifontes, percusión

Marius Pibot, contrabajo

Rhapsody in Blue at St. Martin in-the-Fields, Recital by Clara Rodriguez 14-04-2015

Clara Rodríguez, piano recital
St. Martin in-the-Fields
Trafalgar Square
London

Tuesday 14 April 2015 at 7.30 pm

Programme notes by Clara Rodríguez

Ludwig van Beethoven (1770- 1827) Tempest Sonata Op. 31, No. 2

Largo-Allegro Adagio Allegretto

The Piano Sonata No. 17 in D minor, Op. 31, No. 2, was composed in 1801/02. It is usually referred to as “The Tempest” (or Der Sturm in his native German). The nickname comes from a claim that the tormented inspiration of the first movement, refers to Shakespeare’s play. Beethoven recommended its reading in his reply to his associate Anton Schindler who asked him about the meaning of the sonata. According to my teacher Paul Badura-Skoda it is a sonata that is addressed to the soul and one of Beethoven’s great masterpieces, an original and powerful piece representing a decisive influence on the Romantic composers.

The first movement Largo-Allegro, is the boldest and most innovative of the three, it presents a free structure and sudden changes of tempo. Sombre recitativo cells next to quick quaver passages and an agitated subject share space in this most menacing movement. The Adagio contrasts with the chaotic feeling of the first movement with serenity and calmness, a sort of balm, with a beautiful hymn like melody.

The Allegretto despite having the appearance of a rondo is actually in sonata form. As an anecdote Czerny, his pupil, explains that it is possible that its initial rhythmic figure was inspired by a horse gallop. Its start echoes Fur Elise and some say that its gentle rocking-like rhythm is reminiscent of the infinite motion of the sea. It contrasts with the other movements in that it does not present human passion, the ending is restraint giving a sensation of simplicity.

Wilhelm Kempff says about this sonata that “the human voice of the first movement was carried off by the tempest and alone dominates the eternal sea”

Johannes Brahms (1833 -1897) Six Pieces Op 118

The Six Pieces for Piano Op. 118, are, according to Paul Badura-Skoda, “Late Autumn-harvest fruit.” Completed in 1893 and dedicated to Clara Schumann, the collection was the second to last composition to be published during Brahms’ lifetime. The six pieces are:

No. 1. Intermezzo in A minor. Allegro non assai, ma molto appassionato

No. 2. Intermezzo in A major. Andante teneramente

No. 3. Ballade in G minor. Allegro energico

No. 4. Intermezzo in F minor. Allegretto un poco agitato

No. 5. Romance in F major. Andante

No. 6. Intermezzo in E flat minor. Andante, largo e mesto

The first is a passionate prelude, the second intermezzo an intimate love song which enters and fades with an un-answered question “Warum?” “How so?” and contrasts against the defiant Ballade that follows it. The fourth intermezzo is based on canonic imitation which has the effect of your own shadow being chased by an unescapable ghostly follower. The Romance hints at a love song, the beloved one however is Death, how gentle is its lullaby. The concluding piece of the cycle is one of the most powerful works in piano literature; “Vanity, everything is vanity” seems to be the message of the main motive. The middle section evokes an apocalyptic vision, night riders approaching, bringing war, woe and destruction taking the music to an exclamation outcry of pain that gradually dies away. Despite its gloom, the music leaves an effect of catharsis.

Frédéric Chopin (1810-1849) Two Études:
Op. 25 No 1
Op. 10 No5

All twenty-seven études were published during Chopin’s lifetime; they were composed between 1829 and 1836 and represent some of the most challenging pieces of the pianistic repertoire dealing with nearly every difficulty possible in an amazingly musical and poetic way. They are studied by pianists to develop virtuoso technique but they are also performed in concerts.

The Étude Op. 10, No. 5, in G-flat major, was composed in 1830 and was first published in 1833 in France, Germany, and England as the fifth piece of his Études Op. 10. This work is characterized by rapid triplet figuration played by the right hand exclusively on black keys. This melodic figuration is accompanied by the left hand in staccato chords and octaves.

The Étude Op. 25, No. 1 in A-flat major was composed in 1836, and published in 1837. The work consists entirely of rapid arpeggios and harmonic modulations based on A-flat major. Robert Schumann praised this work in a dissertation on the Études; calling it “a poem rather than a study”, and nicknamed it “Aeolian Harp”

INTERVAL

Miguel Astor (1958- ) Two Venezuelan waltzes:
Adriana
Creciente –World Première

These two Venezuelan waltzes by Venezuelan composer Miguel Astor, Adriana (1987) and Creciente (2005) belong to his ample catalogue of piano music. The first one is dedicated to his wife and the second one, to me. Astor’s style of composing varies according to the medium he happens to be writing for. Miguel Astor was a pupil of Yanis Ioannidis, Modesta Bor and Antonio Mastrogiovanni in Caracas, which results in a mixture of very diverse influences, notwithstanding, his is a very recognizable Venezuelan idiom.

Miguel Astor was born in Caracas in 1958, studied Arts at the Universidad Central de Venezuela and has PhDs in Latin American Musicology and in History. He has taught in many of the conservatories and universities and conducts several choirs in Caracas. He has written for choir, chamber music and orchestra.

Federico Ruiz (1948- ) Carmen Rosa
Zumba que zumba

Federico Ruiz was born in Caracas in 1948, where he trained as an accordionist and as a composer at the Escuela Superior de Música. He is a much loved composer with a vast compositional output, containing an interesting eclecticism of techniques, forms and different media. Its scope ranges from electro acoustic music to large orchestral works, taking in, along the way, numerous piano pieces, chamber pieces, and the music for many films and plays. He has also written a trumpet concerto, two piano concertos, and two operas (Los Martirios de Colón and La mujer de espalda)
Carmen Rosa is originally the incidental music of a play that I saw in Caracas and begged Federico to write for the piano.
Zumba que zumba was written between 2002 and 2003. It is based on folk themes, using as a reference the pattern of the zumba que zumba type of joropo, which has a particular harmonic sequence, on which variations are created. He kindly dedicated it to me.

George Gershwin (1898- 1937) Rhapsody in blue

“It was on the train, with its steely rhythms, its rattle-ty bang, that is so often so stimulating to a composer – I frequently hear music in the very heart of the noise…. And there I suddenly heard, and even saw on paper – the complete construction of the Rhapsody, from beginning to end. No new themes came to me, but I worked on the thematic material already in my mind and tried to conceive the composition as a whole. I heard it as a sort of musical kaleidoscope of America, of our vast melting pot, of our unduplicated national pep, of our metropolitan madness. By the time I reached Boston I had a definite plot of the piece”. This was what Georges Gershwin told his biographer Isaac Goldberg in 1931 about the composition which he started on January 7 for two pianos; it came into existence thanks to the band leader Paul Whiteman who asked George Gershwin to write a piece that combined classical and jazz elements in the search of creating a North American idiom .

The working title was “American Rhapsody”. The title Rhapsody in Blue was suggested by Ira Gershwin after his visit to a gallery exhibition of James McNeill Whistler paintings, which bear titles such as Nocturne in Black and Gold and Arrangement in Grey and Black. After a few weeks, Gershwin finished his composition and passed the score to Paul Whiteman’s arranger Ferde Grofé, who orchestrated the piece, finishing it on February 4, only eight days before the première which took place at the in Aeolian Hall in New York City with Paul Whiteman and his band Palais Royal Orchestra and George Gershwin at the piano in a concert entitled An Experiment in Modern Music where many important and influential composers of the time such as Sergei Rachmaninoff, were present.

The piece was an instant success with the public and has become North America’s best known and representative musical work. The influences of jazz and other contemporary styles are certainly present: ragtime rhythms are abundant, as is the Cuban “clave” rhythm, which doubles as a dance rhythm in the Charleston jazz dance.

Clara Rodriguez, pianist
Clara Rodriguez is one of the most distinguished of the present generation of international artists. Her fascinating way of programming has consistently contrasted traditional classical music with the output of South American composers. Since coming to London at seventeen to study at the Royal College of Music with Phyllis Sellick, she has performed to great acclaim as a soloist at Southbank Centre, Wigmore Hall, Barbican Centre and at St John’s Smith Square. Clara Rodriguez has also studied with Guiomar Narváez, Niel Immelman and Paul Badura-Skoda. In Caracas, aged sixteen she made her debut playing Mozart Piano Concerto No 27 with the Simón Bolívar Orchestra under the baton of José Antonio Abreu; from then on Clara Rodriguez’s career as a concert pianist has taken her to tour in Europe, India, Egypt, Tunisia and the Americas. Her playing is described as highly expressive, sensitive with considerable digital clarity and stylistic acumen. Glowing reviews are regularly written about her concerts and discography on the Nimbus label which includes CDs of the piano music of composers such as Ernesto Lecuona, Moises Moleiro, Federico Ruiz and Teresa Carreño “Clara Rodriguez provides performances of alluring vivacity allied to thatmost essential of requisites-CHARM.” Gramophone

She has also published a collection of dances by 18 different composers in her CD “VENEZUELA” of which critic Jeremy Nicholas wrote “Clara Rodriguez makes the most of her innate feel for the exuberant and languorous, dispatching the toe-tapping cross-rhythms with panache and a light touch. A treasure chest from which to cherry pick” Other CDs by Clara Rodriguez are Chopin Late Works and Clara Rodriguez & El Cuarteto Live in concert in Caracas.

She has commissioned and premièred many works including Federico Ruiz’s Second Piano Concerto which she recorded with the Orquesta Municipal de Caracas and played last year in the celebrations of the 39th El Sistema Anniversary.

Clara Rodriguez is a repertoire adviser to the Associated Board of the Royal Schools of Music and has edited piano albums for Spartan Press Publishers.

Clara Rodriguez teaches the piano at the JD of the Royal College of Music.

Her 2014 Saint Martin-in-the Fields recital “Appassionata Sonata by candlelight” was received with a standing ovation from the large audience. The following comment gives a good insight into the programme played:

“World music indeed! The concept could not have become more clear in our minds after listening to Clara Rodriguez interpretations of works by Bach, Beethoven, Prokofiev, Albéniz, Villa-Lobos, the Venezuelans Teresa Carreño, Luisa Elena Paesano and the Argentinean Ariel Ramírez. Clara’s expressive and powerful performances conveyed great lyricism to a magnetized audience entwining the works of these composers in a unity of spirituality in time and space at Saint Martin-in-the-Fields. Clara Rodriguez has again demonstrated that musical poetry is a universal means of communication. A true tour de force, an unforgettable evening.”

“Clara Rodriguez’s vibrant temperament and her rhythmic èlan mark her out as a leading exponent of Latin American music. She is a very special artist.”
RCM Professor Niel Immelman

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Entrevista de Clara Rodríguez para la revista Pianist. Por Erica Worth

 Abril-mayo de 2014. No 77

Pianista Trabajando

Entrevista con CLARA RODRIGUEZClara-08

A los lectores de Pianist les encanta cuando presentamos repertorio español dentro de las publicaciones . Y como verán, contamos con ‘ Granada ‘ de Albéniz en esta edición . Hablamos con la pianista venezolana Clara Rodríguez , experta en el campo del repertorio pianístico español y latinoamericano. 

Cuéntenos un poco acerca de su pasado y cómo comenzó a tocar y a promover el repertorio español / latinoamericano?

Empecé a estudiar música a la edad de 6 años , en Venezuela , como en la mayoría de los países latinos , tenemos un año preliminar de solfeo (el método de lectura de la música ), que junto al de dictado musical y la teoría nos da una base sobre la que podemos comenzar a aprender un instrumento. A los 7 me presentaron a mi primera profesora de piano , Guiomar Narváez , que es una apasionada defensora de tanto el repertorio de piano tradicional como de las composiciones de Venezuela y de América Latina. Para ser honesto, cuando era niña me encantaba tocar más que nada Bach, Scarlatti , Couperin, Mozart , Beethoven , Chopin y Debussy y sólo me conecté a los estilos latinos más populares mucho más tarde aunque tengo que señalar que me pareció que había una gran profundidad en las piezas para niños por autores venezolanos me dieron a conocer desde el principio , las obras de Flor Roffe , Antonio Estévez, Inocente Carreño , Teresa Carreño , Alberto Grau, Modesta Bor, Moisès Molerio , Antonio Lauro, Angle Sauce, fueron todos aprendidos con gran cuidado y amor. De hecho,tuve la dicha de conocer a algunos de esos maravillosos compositores en mi infancia y los recuerdo con mucho cariño .

Durante mi adolescencia escuché muchas canciones populares de latinoamérica y también tuve la suerte de ver cómo los artistas y el público estaban tan enamorados de esa música fuese escuchando o bailando el repertorio popular latinoamericano. Eso me fascinó y me dieron ganas de transmitir toda esa energía en mi forma de tocar el piano.

 

Usted creció en Caracas, pero se trasladó a Londres para estudiar en el RCM . ¿Con quién estudió ? ¿Y cómo influyeron sus profesores en su forma de tocar ?

Yo era una adolescente que iba a la escuela secundaria en la soleada Caracas y en las tardes/noches solía ir al conservatorio de música, cuando de pronto vi un anuncio en el periódico : audiciones se celebrarán la semana que viene ( en Venezuela ocurren cosas repentinamente o nunca ! Jejeje !) , me preparé tanto como pude y me presenté delante de Michael Gough Matthews y Barbara Boissard , los entonces directores de la Royal College of Music , toqué un programa de piezas que incluyó un  Preludio y Fuga del libro II del ” El 48 ” de Bach , el Estudio Op . 10 n º 1 de Chopin y algunas otras obras. En ese concurso gané una beca para venir a Londres y se decidió que tendría a Phyllis Sellick como profesor de piano . La primera vez que vi a Phyllis fue en la televisión porque ella era parte del jurado del Concurso de Piano de Leeds. Ella era una artista inmensa , generosa y exigente, que tenía el más alto nivel de tocar el piano que he conocido, su maestría musical siempre fue dirigida hacia la belleza del sonido , los contrastes en el estado de ánimo y el profundo conocimiento y la interpretación de la partitura. El respeto absoluto hacia las ideas de los compositores era una regla. En una palabra : Phyllis me enseñó el arte de tocar el piano; ella está siempre en mi mente cuando estoy aprendiendo piezas . De hecho, aplico su acercamiento a las obras a casi todo lo que toco .

Toca los ‘clásicos’ también, como Beethoven , Bach … ¿Son igualmente importantes en su vida piano?

Ellos son parte de mi vida diaria. Yo no podría vivir sin ellos !

¿Cree usted que tiene que hay que ser de origen español / latinoamericano para tocar bien estos compositores ?

Ya no! Es una curva de aprendizaje , por supuesto, y hay que escuchar toda la música que uno  pueda y luego hacer las piezas de uno. Hay que estar consciente de dónde los acentos caen en la frase ( ese el secreto! ) Es muy diferente a la sensación de de la música europea , donde casi siempre los acentos estarán en el primer tiempo . Uno tiene que entender también que cada baile tiene sus propias características. Ritmos como el 6/8 y ¾ por lo general se encuentran alternativamente en esos bailes y a veces a la métrica de un ritmo de 5/8  de un merengue venezolano, tendrá que adaptarse a un ritmo ¾  que se encuentra en la izquierda ! Usted tiene que comenzar a sentir estos ritmos en su cuerpo. es algo físico.

¿Cree que hay una gran cantidad de este tipo de repertorio que es subestimado o desconocido ? Hábleme de algunas joyas ? ¿Y cómo pueden los lectores de Pianist encontrar estas obras?

Hay una gran riqueza de piezas por explorar , el principal problema es que no todas están publicadas o son accesibles. Siempre estoy en en el proceso de hacerpublicaciones para piano con ese precioso repertorio para paliar esta situación . También he grabado CDs ( Nimbus Records ) de la música que nunca se había registrado antes y que el público ama, la música de Teresa Carreño , Moisès Moleiro o Federico Ruiz son gemas para mí.

Los mantendremos informados sobre las ediciones !

 Cualquier sugerencia de qué escuchar o ver ?

En la música española Alicia De La Rocha sigue siendo la referencia , escuchen sus grabaciones de la Suite Iberia .

Otro ejemplo excelente es el guitarrista John Williams, quien es australiano y ha estudiado ampliamente la música venezolana .

Sin ser demasiado chovinista Invito a los lectores de la Revista Pianist  a visitar mi canal de Youtube donde he añadido algunos conciertos en vivo ( que no se encuentran en CDs ) de música de diferentes compositores latinoamericanos que espero que disfruten.

http://www.youtube.com/user/Venpianista

 

¿Qué técnicas necesita un pianista para tocar compositores como Albéniz, Granados, Ginastera , etc?

Imaginación ! Visualice los vastos paisajes de América Latina , leer poesía española y latinoamericana , ir a ver pinturas de Goya y el baile flamenco con el fin de entender de dónde deriva  todo esto.

Usted tendrá que tener dedos de acero para las danzas de fuego y a la vez de seda para los cantabiles . Creo que lo que estoy tratando de decir es que se necesita producir diferentes “colores ” en el sonido de piano

 

 ¿Existen todavía desafíos técnicos / dificultades ?

Yo diría que cada pieza que se toca es un desafío. Tomo mucho tiempo aprendiendo piezas. Cuando yo comienzo una nueva puede ocurrir que  piense “aprenderé esto muy rápido “, pero luego, cuando voy por medio camino empiezo a pensar que estoy muy lejos de saberlo realmente … es complicado ! Algunas piezas técnicamente difíciles son a veces más fáciles de practicar , ” se meten en los dedos ” , al contrario de las  más abstractas o lentas donde no hay memoria física.

 

En el  CD que acompaña esta revista, hemos colocado el surco La Dulzura de tu Rostro , por Ramón Delgado Palacios, de su álbum “Venezuela” . Cuéntenos un poco acerca de esa pieza.

Gracias por elegir esa hermosa pieza. Me parece que La dulzura de tu Ramón Delgado Palacios (1863-1902) define musicalmente el siglo 19 en Venezuela por su romanticismo y expresividad lírica combinada con un acento típico venezolano dada por la figura rítmica presente en el acompañamiento. Ramón Delgado Palacios era un notable pianista y profesor de renombre. Había estudiado en el Conservatorio de París con un alumno de Chopin. Además de tocar el piano , también tocaba el órgano con tal maestría que las caraqueñas , asistían a la misa las 10 am en la Iglesia San Francisco , en gran número , sólo para escucharlo tocar . Delgado Palacios escribió 45 piezas para piano y 17 para orquesta, música de cámara y obras vocales .
Grabé esta pieza en mi CD” Venezuela ” (CD NI6122 ); en este disco se puede encontrar una colección de obras de 18 compositores diferentes, que abarcan tres siglos de composición , las piezas se basan en los tres principales géneros populares venezolanos : el vals , el joropo y el merengue .

 

¿Puede nombrar 5 piezas para piano que son “esenciales” para el pianista aficionado- de un nivel de grado intermedio 4-6 ?

Federico Ruiz : La peruanita ( o cualquiera de las piezas para niños menores de 100 años de edad – Spartan Press)

Ernesto Lecuona : Alhambra (Suite Andalucía )

Heitor Villa- Lobos: Cualquiera de la Prole do Bébé piezas

Alberto Ginastera : Danza de la moza Donosa

Enrique Granados : Oriental No 3 ( Danzas españolas )

 

¿Planes para este año?

Este año he sido invitada a tocar con orquestas de El Sistema, que está celebrando su 39 aniversario, este es un proyecto precioso porque como ustedes saben ellos tienen un alto nivel, pero también están dispuestos a aprender  y son muy flexibles y abiertos a nuevas ideas . También voy a tocar recitales como solista con mi habitual mezcla de la música europea y latinoamericana en los programas.

 

Háblenos de su festival de verano en Caracas? ¿Cómo surgió eso ?

Yo estuve involucrada en la compra de un hermoso Steinway de Concierto que viajó desde el Royal Festival Hall de Londres a Caracas al Teatro Teresa Carreño . En este piano muchos conciertos se tocaron y cuenta en muchas grabaciones realizadas por los más grandes pianistas internacionales. Dadas estas características he creado un festival en Caracas que he llamado ” Un piano de leyenda ” el año pasado . Para este año estoy muy emocionada de anunciar que tres orquestas diferentes participarán , nueve conciertos para piano y orquesta serán interpretados por diferentes pianistas ,habrá  recitales y clases magistrales .

¿Cuánto de su vida le dedica a la enseñanza? ¿Le  gusta? ¿Aprende de ella?

Disfruto mucho dando clases , yo enseño a personas encantadoras de todas las edades que por lo general se convierten en mis amigos a largo plazo. También me encanta dar clases en el Departamento Juvenil del Royal College of Music a mis muy talentosos estudiantes .

 

 

Hemos oído que va a grabar un CD Villa Lobos . Sabemos poco de su música para piano solo . Díganos si hay algunas piezas accesibles para aprender?

Las piezas que voy  a grabar pronto son muy difíciles , pero como he mencionado anteriormente, hay piezas interesantes y cortas en la suite Prole do Bébé también en Cirandinhas .

 

¿Cuántas horas al día practica?

Todo depende de los programas que esté preparando y de las demandas que las actividades externas me permitan, pero en días normales 3 horas pueden estar bien y a veces 8 horas en un día no son suficientes .

 

Qué piano tienes?

Fue un regalo de unos señores ingleses -nunca los olvidaré! es un modelo “O” de marca Steinway del año 1911 . ¡Me encanta!

 

Metas  o sueños?

Tocar muchos conciertos !

Erica Worth
Editor

Pianist Magazine

Photography by Antolín Sánchez

Clara Rodriguez, a short biography

I was born in Caracas to parents sensitive to the arts. My father was a polemic writer who lived a tormentous life. Sadly he died in 2000 at the age of 64. My parents divorced when I was very young , so my mother  raised my sister Valentina, and I in the best possible way that a mother can: with lots of love, sacrificing her time, and taking me to music school from the age of 7.
I had a great childhood, fantastic and fun training, although strict, at the Conservatorio Juan José Landaeta, located in a beautiful old villa within a residential area of the city.
There were some good old grand pianos and a lovely smell of polished woods and exotic plants. There was a friendly atmosphere and my very elegant piano teacher, Guiomar Narváez introduced me to the great composers through a diet of lots of studies by Hanon, Czerny and the whole spectrum of the European repertoire. She had studied in Caracas and in Vienna. My harmony teacher was composer Angel Sauce, who also the director of the Conservatory.
When I was sixteen I participated in an audition organized by Carlos Díaz Sosa, the judges Michael Gough Matthews and Barbara Boissard had  flown in from the UK. I remember playing a Prelude and Fugue from the Book II of the W.T.C. by J.S. Bach, Chopin Study Op.10 No 1, Reflets dans l’eau by Debussy. They granted me a scholarship to come to study at London’s Royal College of Music  and it was decided that I should have Phyllis Sellick as my teacher. I am ever so grateful to them!
I spent a year at the Junior Department and six at the senior. Phyllis Sellick was my mentor, she was so inspirational, a combination of intellect and imagination, Romanticism and rigour. She had studied with Isidor Phillip and Maurice Ravel in Paris. As an adult, Rachmaninov  was one of her close acquaintances. She was sweet, very intelligent and had the highest standards in piano playing I have ever come across. All the major English composers dedicated piano works to her including Arthur Bliss, Michael Tippet and Vaughan Williams.

Paul Badura-Skoda, Regina Smendzianka and Niel Immelman have also inspired me with their knowledge of piano playing and have had a fundamental influence on me as keep having my pianists friends such as Barry Douglas.

I love playing abroad, but it can also be a bit daunting; the music you play and love at home might not be what people of different cultures might like, or so I used to think. Going to far away countries and cultures like exotic India, Tunisia, Morocco, Syria, Egypt to play a mixture of  European and Latin American music used to worry me a little, but taught me that people everywhere are eager and happy to receive it. Playing in Europe or the United States has also been really interesting and enriching.

I greatly enjoy performing solo recitals, as well as being a soloist with  orchestras; playing with incredibly talented musicians in ensembles of Classical or Latin American music is always fulfilling and an infinite learning curve.

Sharing the stage with actors as I have with Karin Fernald or Alberto Rowinski in productions of our own such as “Liszt in petticoats” (dedicated to Teresa Carreño) and “Con-cierto humor” has been lovely because I have learnt from their artistic field to listen to the way they deliver their lines so beautifully.

Gypsy Ballade” was another fantastic show that I loved producing and performing alongside Marisela Romero and José Manuel Garzón, actors/dancers that came from Spain. It was inspired by Federico Garcia Lorca’s poetry, songs and life mixed with readings from his journals, in English, by Karen Fernald and a fabulous stage decor by French artist Jacques Iselin. I played a number of piano pieces from the Andalusian region of Spain.

In 2011 I was very fortunate in that I wrote and performed my own “Franz Liszt” ; this took place in Caracas with fantastic actor Caridad Canelón and narrated by Miguel Delgado-Estévez , a really beautiful experience.

In relation to music and words, I have a dream of producing in the near future The Passionate Life of Isaac Albeniz which will be based on a script written by Trader Faulkner.

Recording CDs is also part of my activities, I find that making them is immensely rewarding but also very difficult. Up to now I have produced and recorded five Venezuelan music CDs, another one of Late Piano Works by Chopin, and the piano music by Ernesto Lecuona.

I am particularly fond of the release El Cuarteto and me produced of a live concert performed in Caracas five years ago, it is a collection of dances and songs from Venezuela.

Frequently I am asked to participate in interviews on the radio, the written press and on TV; the programme In Tune on BBC 3 is one of the loveliest to do because one both plays, and talks ‘live’ on it. As a child, my first ever TV live performance was done in Caracas where I remember playing two very fast Scarlatti Sonatas; then I had fun appearing next to pianist Rosario Marciano as well as playing on a TV programme dedicated to the history of the piano at the Museo del Teclado of Caracas.

In 1993 up to 1998 I founded and directed a music festival in Caracas at the Teatro San Martín. It was wonderful to see the project come to life in an area of Caracas where before there had not been any music.

Lately I curated, produced and directed the Clara Rodriguez Bolivar Hall Concert Series in London and the “Legendary Piano Festival of Caracas” to celebrate the aquisition of a fabulous concert grand-Steinway that belonged first to the Royal Festival Hall and now lives in the Sala José Félix Ribas. Something I am very proud of as I had the responsability of finding the piano and organizing every detail of the festival.

Composers such Federico Ruiz, Miguel Astor, Adrián Suárez, Mirtru Escalona, Lawrence Casserley, Michael Rosas Cobián and Juan Carlos Núñez have written and dedicated pieces to me, for that gesture I am deeply grateful and I have tried to do justice to their marvellous effort and creative talent by recording and playing their music in public concerts. Sometimes as publishing editor as in the case of the Pieces for Children under 100 years of age by Federico Ruiz (Spartan Press and The Associated Board of the Royal Schools of Music)

I have enjoyed playing a dozen solo recitals and concerts with friends at the Southbank Centre, some others at Wigmore Hall, St. Martin-In-The-Fields and a number of concertos at St. John’s Smith Square, including Ravel in G, Rachmaninov 3rd, Schumann in A minor, Nights in the Gardens of Spain and Federico Ruiz’s Second Piano Concerto.

I have also produced and performed “In the mood for tango”, “Tangoitis”, “Monnlight Sonata by Candlelight”, “Latin Bach” and “Appassionata Sonata by Candlelight”.

For the last eight years I have taught the piano at the Junior Department of the Royal College of Music of London, an activity that gives me much joy and allows me to be in touch with lovely emerging talents.

I consider myself very lucky to count with wonderful passionate artists that work lovingly on my leaflets, CD covers and general image such as the photographers Antolín Sánchez, Jean-Luc Muller and Sogand Bahram, graphic designers Carlos David and Gabriella Bello and dress designer Valentina Rodríguez.

My CDs are available on the Nimbus Records label from: http://www.wyastone.co.uk/all-labels/nimbus/classical.html?instrumentalist=2499 or from Amazon: http://www.amazon.co.uk/Clara-Rodriguez/e/B004RV4JQE/ref=ac_dpt_sa_bio

You can listen to some of my recordings or live performances on my Youtube channel:  http://www.youtube.com/user/Venpianista

You can also communicate with me through:

My website http://www.clararodriguez.com

Twitter: https://twitter.com/VENPIANISTA

and my Facebook page https://www.facebook.com/pianoclararodriguez?ref=hl

Clara Rodriguez/Antolin Sanchez photography

Journey of a Steinway grand – From London to Caracas

In February 2012 Professor Jose Antonio Naranjo kindly asked me to help The National Music Company to purchase a piano for the Sala José Félix Ribas of the Teresa Carreño Complex. My heart skipped a beat! Professor Naranjo had been after this idea for 3 years until finally the then Minister for Culture Pedro Calzadilla approved the funds. I immediately made a small list of piano technicians I know in London and as soon as I got home in Wimbledon I met with Peter Salisbury.

To explain who Mister Salisbury is I will go back to the year 1989 when I played my first recital at the Purcell Room – Royal Festival Hall Room of the Southbank Centre in London. Peter Salisbury has been one of the technicians of that important cultural centre for about 25 years. He is one of the 5 or 6 technicians internationally with the level capable of servicing pianos for the greatest pianists and who is constantly on call from recording labels and other concert venues such as the Sydney Opera House, to name just one of them.

Peter Salisbury entered  Steinway  house as an apprentice at fifteen, ten years later he was considered to be a professional. What is this training about? Peter explains that he spent three years learning to tune, three more years learning to handle and make every part of the machinery of the instrument and as many years learning the art of calibrating each sound to perfection as well as the resistance of each key and making sure that the balance is equalized. It is the work of a craftsman with  artististic sensitivity . Peter is passionate about pianos and piano work. His life has been dedicated to achieving a level of perfection so that pianists can perform on instruments in which they can play dynamics that can go from subtle pianissimos to the most powerful fortissimos and most importantly, so that we can do the full range of nuances that good pianists know to exist between those extremes. Colours, shadows, different kinds of embossing musical phrases is what we seek when we perform in order to give life to the musical works. That, in my oppinion is the true artistic purpose of good pianists … or at least those from the old school!

Peter Salisbury complained a few days ago because he says that that tradition which comes from the greatest such as Chopin, Liszt, Clara Schumann is dying and he attributes the blame to the international competitions that reward those who play fast and loud, busting strings and un-tuning the pianos from the first notes they touch because they do not care much for producing sublime sounds through relaxation, but practically these are characters that could be defined as pugilists or “musical athletes”.

In my case, I had the joy of playing pianos served by Peter in about 15 concerts with great works from the universal repertoire such as the Sonata in B minor by Liszt as well as Chopin, Schubert, Brahams, Beethoven, Mozart without forgetting that I premiered many works by authors such as Federico Ruiz, Mirtru Escalona, ​​Alfredo Rugeles, Ricardo Lorenz and was able to perform Venezuelan and South American music for the wonderful London audiences there in the Southbank Centre.
The experience has always been the best you can have as a concert pianist. To have an instrument where the interpreter can let his/hers imagination loose and where the interpreter can concentrate deeper because we know that we can let the music speak as we thought, we can make our true interpretation of the selected works.

So I did not hesitate in contacting Peter Salisbury for this project of finding the best possible piano for Venezuela .

I have to say that I went to Steinway House in Marylebone Lane and they told me that Venezuela could not buy an European piano, they had to get an American one!, well, we all know the difference! specially in the tropics, humidity does cause horrible effects on the American Steinways.

By good fortune the Southbank Centre is in a period of renewal and this is one of the pianos they wanted to sell. Peter restored it and built a second mechanism or extra action which can be applied and removed with ease. The advantage of this innovation is that it doubles the life of the instrument, in addition there is a difference in timbre or colour.

I am infinetly grateful to our dear “Toñito” Naranjo who has believed in my word and after eighteen months of red tape, elections, the President’s death, new elections, new President, hundreds of emails, linked to the tenacity the love for my country has given me, the dream of having here an instrument of this quality plus the constant moral support from Peter Slisbury and the members of the National Music Company, I HAVE TO BREATH, the piano is ready to be performed in an inauguration on August 9, 2013 at 6.00 pm.

Among the pianists who have also played concerts and recorded piano CDs on the piano in question are Eugene Kissin, Maurizio Pollini, Alfred Brendel, Barry Douglas … yours truly.

Apart from the professional relationship I have with Peter Salisbury there are two important anecdotes: he was for many years the technitian of my piano teacher in London, Phyllis Sellick and Peter ten years ago, married a pianist and my great friend for over twenty years, Eva Maria Alexandre.

Travesía de un piano Steinway- De Londres a Caracas.

En Febrero del 2012 el Profesor José Antonio Naranjo me pidió de una manera muy cordial que consiguiera un piano para la Compañía Nacional de Música que ya el Ministro Pedro Calzadilla había aprobado el presupuesto. Los ojos me brillaron. Inmediatamente hice una lista de los técnicos de piano que conozco en Londres y al regresar a mi casa de Wimbledon me reuní con Peter Salisbury.

Para explicar quien es Mister Salisbury me remontaré al año de 1989 cuando toqué mi primer recital en la sala Purcell Room-Royal Festival Hall del Southbank Centre de Londres. Peter Salisbury ha sido uno de los técnicos de ese improtantísimo centro cultural por aproximadamente 25 años. Él es uno de los 5 o 6 técnicos con el nivel internacional que es capaz de afinar para los más grandes pianístas y quien es llamado por otras salas de conciertos como por ejemplo la Ópera de Sydney, por no comenzar a hacer largas listas. Peter Salisbury entró a la casa Steinway como aprendíz a los quince años salió hecho todo un profesional a los veinticinco. ¿En qué consiste ese entrenamiento? él me explica que pasó tres años aprendiendo a afinar, tres aprendiendo a manejar y hacer cada parte de la maquinaria del intrumento y otros tantos años aprendiendo el arte de calibrar a la perfección cada sonido asi como la resistencia de cada tecla para que el balance esté ecualizado. Es el trabajo de un artesano con oído de artísta. Peter es un apasionado de los pianos y del trabajo pianístico. Su vida se la ha dedicado a lograr que los pianístas podamos tocar instrumentos en donde se puedan hacer desde los Pianissimos más sutiles hasta los Fortissimos mas poderosos y lo más importante, que podamos hacer toda la gama de matices que un buen pianista sabe que existe entre esos extremos. Colores, sombras, relieves, tímbres diferentes es lo que nosotros los artístas perseguimos cuando tocamos para así darle la vida que se merecen las obras. Allí está el verdadero sentido artístico de los buenos pianístas…o por lo menos los de la vieja escuela!

Peter Salisbury se quejaba hace unos días porque dice que esa tradición que nos viene de los más grandes como Chopin, Liszt, Clara Schumann está muriéndose y le achaca la culpa a los concursos internacionales que premian a los que tocan más rápido y que revientan cuerdas al tocar debido a que no producen el sonido a través de la relajación, buscando la belleza sonora sino que practicamente son personajes que se pueden definir como pugilistas o “atletas musicales”.

En mi caso, he tenido la dicha de tocar en pianos servidos por Peter unos 15 recitales con obras del gran repertorio universal como la Sonata en Si menor de Liszt, así como Sonatas de Chopin, Schubert, Beethoven, Mozart sin olvidar que he estrenado muchas  obras de autores como Federico Ruiz, Mirtru Escalona, Alfredo Rugeles, Ricardo Lorenz y he podido mostrarle al maravilloso público londinense música de Venezuela y del resto de Sur América y el Caribe.
La experiencia siempre ha sido la mejor que puede tener un concertista. Contar con un instrumento así hace volar la imaginación del intérprete y ayuda a la concentración más profunda ya que sabemos que podemos dejar hablar a la música como la hemos pensado, podemos hacer nuestra verdadera interpretación de las obras escogidas.

Por eso no dudé en contactarlo con el proyecto de encontrar para Venezuela el mejor piano posible.

Por gran suerte nuestra el Southbank Centre está en un período de renovación y Peter consiguió que el Royal Festival Hall le vendiera ese piano por el que empezamos a  luchar. Él lo restauró y además le construyó una máquina o acción extra la cual se puede  poner y quitar con facilidad. La importancia que ésta ventaja tiene es que por medio de esa innovación se duplica la vida del instrumento ya que no siempre se usa la misma, además de que entre sí hay una gran diferencia en cuanto al timbre o color sonoro.

Agrdezco infinitamente que el maestro Naranjo haya creido en mi palabra con respecto a ese hallazgo y después de año y medio de trámites burocráticos, elecciones, muerte del presidente, nuevas elecciones, cientos de emails, ligados a la tenacidad que me ha dado el amor por mi país, el sueño de tener aquí un instrumento de ésta calidad y el apoyo moral y constante de Peter Slisbury y de los miembros de la Compañía Nacional de Música, RESPIRO, el piano está listo para ser estrenado el 9 de Agosto de 2013 a las 6.00 pm.

Entre los pianístas que también han tocado conciertos y grabado CDs en el piano en cuestión están Eugene Kissin, Maurizio Pollini, Alfred Brendel, Barry Douglas…ésta servidora.

Aparte del lazo profesional que tengo con Peter Salisbury están dos importantes anecdotas, él fue durante muchos años el técnico de mi profesora de piano en Londres, Phyllis Sellick y hace unos diez años Peter se casó con una gran pianísta y fantástica amiga de hace mas de veinte años, Eva María Alexandre.