Entrevista a Clara Rodriguez por su Concierto Alma llanera

http://www.expressnews.uk.com/texto-diario/mostrar/414075/clara-rodriguez-y-su-alma-llanera

Perfiles

Clara Rodríguez y su ‘Alma Llanera’

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La aclamada pianista venezolana llenará de música la iglesia de St. James

Por Yohanna Rozo


Clara Rodríguez es concertista, profesora de piano del Royal College of Music
(Junior Department) y artista del sello Nimbus Records.

Recibió el premio “Músico Clásico del Año 2015” en los LUKAS en el Reino Unido y el
próximo 16 de abril ofrecerá el concierto titulado ‘Alma Llanera’.

El programa que incluirá Caballo viejo de Simón Díaz, Canciones infantiles de Antonio
Estévez, Apure en Un viaje por Genaro Prieto, Retrato de Aldemaro Romero de Juan
Carlos Núñez, El Negro José de Aldemaro Romero, Bambuco y Pasillo de
Germán Daría Pérez, tangos de Ernesto Nazareth, danzas argentinas de Ariel Ramírez
y de Alberto Ginastera, Preludios de George Gershwin y el famoso joropo Alma Llanera
de Pedro Elías Gutiérrez.

A Clara se unirá en el escenario Timothy Adès, quien es traductor y poeta,
ganador del Premio Valle-Inclán del Times Literary.

Esto fue lo que conversamos con Clara Rodríguez y su ‘Alma Llanera’

Recientemente fuiste reconocida en los LUKAS ¿qué significó este premio para ti?

Para mí ha sido maravilloso ver la reacción de la gente, así como la felicidad y el orgullo que esta distinción ha traído a mi país, a mis colegas británicos, venezolanos y latinos, amigos, familiares y a todos los que siguen mi carrera con tanto cariño. ¡Ese ha sido el verdadero premio para mí! A través de esta experiencia puedo comprobar que el trabajo que uno hace con tanto esfuerzo el cual es muchas veces solitario, tiene significado para muchas personas; que no sólo la incertidumbre que conlleva esta ocupación, sino también la alegría y emoción que uno siente por la planificación de los conciertos, con los programas a realizar o incluso que la enseñanza de nuestro arte tiene un lugar en la sociedad, la cual es tan diversa. Ha sido un honor y estoy muy agradecida.

¿Cómo describes la oportunidad de llevar tu música por todo el mundo, especialmente a los escenarios europeos?

Pienso que las oportunidades hay que muchas veces crearlas, no creo que se den fácilmente y hay que contar con el apoyo de los amantes de la música, los conocedores y los que quieren descubrir algo que es desconocido para ellos. Es una suma de factores que hacen posible que se produzca la magia de tocar conciertos, grabar discos y promocionar intensamente nuestro repertorio: la música de Latinoamérica que ha sido mi norte durante muchos años. La gente se emociona con la belleza de nuestra música, quieren tocarla, publicarla, ha sido parte de exámenes internacionales, la tocan en radios en muchos países del mundo. En otras palabras estamos llegando a permear el mundo de la música que no conocía nuestro legado musical y cultural.

¿Cómo recuerdas los inicios de tu carrera en la música?

Con mucho cariño, tuve grandes maestros, todos dedicados a la música y a su enseñanza, con gran ética profesional, amor y apasionados por su arte. Estudié en el Conservatorio Juan José Landaeta de Caracas con la pianista Guiomar Narváez y los compositores Ángel Sauce y Antonio Lauro. Las clases se daban en una bella casa de un barrio llamado Campo Alegre y era muy agradable asistir allí, además toda mi educación fue gratuita, un privilegio con el que hemos contado los venezolanos.

¿Cuál fue la principal motivación para arrancar con este sueño?

Mi madre había estudiado algunos años de piano con el maestro Moisés Moleiro y adora la música, ella me enseñó las primeras notas y me llevó a hacer el examen de admisión y luego durante siete años me llevó a las clases. Mucho sacrificio porque la escuela quedaba lejos de nuestra casa.

Hace cuánto estás en Inglaterra y qué te motivó a llegar al Reino Unido

Los directores del Royal College of Music fueron invitados a Caracas a realizar audiciones para dar unas becas, impulsado por el Sr. Carlos Díaz Sosa. Yo tenía diecisiete años cuando me presenté a ese concurso y gané una de las cinco becas, a los pocos meses me encontré en Londres, viviendo en South Kensington al lado del Albert Hall y sentí por primera vez lo que era ¡el frío! Los ingleses se han portado muy bien conmigo.

En este ejercicio de cercanía con la comunidad, qué destacas de la comunidad latinoamericana en UK

Es una comunidad que trabaja duro, que quiere progresar y vivir decentemente, se portan bien y dan lo mejor de sí.

¿Cuáles son las principales dificultades que has encontrado en el camino?

Las dificultades se vencen o se toma otra vía.

Quiénes te acompañan en este sueño

Mi esposo e hijo, mis familiares en Venezuela o en Francia y todos mis amigos.

¿Cuál ha sido el mayor reto tuyo como artista?

El reto siempre será el mismo: hacer música y tocarla al más alto nivel posible.

¿Para ti cuál es la principal satisfacción de este proceso que has llevado por años en la música?

Moverle los sentimientos a quien escucha.

¿Cuál es el lema o la filosofía de vida que siempre sigues?

Ser leal y seguir los pasos que te indican la consciencia y el corazón. Buscar el equilibrio.

Alguna anécdota positiva que puedan compartir con los lectores de Express

Estoy feliz porque el sábado 16 de abril tocaré un programa de música de países como Haití, Colombia, Venezuela, Estados Unidos, Brasil y Argentina en el corazón de Londres y me acompañará Timothy Adès ,poeta, quien recitará sus traducciones al inglés de bellos versos de Florentino y el Diablo de Alberto Arvelo Torrealba y Píntame angelitos negros de Andrés Eloy Blancolo cual es la primera vez que se haga aquí en el Reino Unido, ésta aventura musical y poética va a tocar la fibra de los lectores de este popular e importante periódico latino.

¿Qué significa el piano para Clara Rodríguez?

Es una necesidad física e intelectual. Si me faltara me deprimiría.

¿Cómo te sueñas en los próximos años?

Siempre con mi piano y la bella música a mi alrededor.

¿Cuál es la pieza musical que te encanta interpretar?

Creo que no hay suficiente espacio para contestar esta pregunta ¡Jajajajaja! ¡Amo tantas piezas! Definitivamente la música de nuestros países me hacen pasar el invierno en una nube, me hacen feliz. Amo a los clásicos, sobre todo Mozart, Scarlatti, Rachmaninoff, Chopin, pero la música Latinoamericana tiene cualidades excepcionales que van de la alegría a la tristeza, pasando por el dolor, la profundidad, la nostalgia y una cantidad de ritmos así como acentos interesantísimos y propios de cada país.

¿Cuál es el momento del día en el que más te inspiras para tocar el piano?

Cualquier hora es buena para inspirarse, es casi un lujo poder sentarse al piano cuando la vida te exige tantas actividades que no tienen que ver con eso.

Si alguien quiere disfrutar de tu interpretación dónde podrá hacerlo próximamente

El Sábado 16 de Abril en la iglesia St. James’s dePiccadilly a las 7.30 pm; además mis CDs se encuentran en Amazon.

DESTACADO: Actualmente Clara Rodríguez está grabando su nueva producción ‘Latinoamérica de Norte a Sur’

Preguntas rápidas y respuestas cortas

Una comida… Todo lo que sea sabroso. ¡Soy muy buen diente!

Un libro… Palabras con el inmortal de Argenis Rodríguez

Una película… Cyrano De Bergerac

Un viaje… a la Isla de Margarita

Un país… Venezuela

Un deseo… el entendimiento

Conoce más sobre el concierto en clararodriguez.brownpapertickets.com

Visita su Fan Page: Piano Clara Rodríguez

Antonio Estévez is played by thousands

Antonio Estévez is one of the greatest musical figures of Venezuela, he belongs to the important generation of composers taught by Vicente Emilio Sojo; He founded the University Chorus (Orfeón Universitario), was an orchestral conductor and instrumentalist, and was a member of the Banda Marcial and of the Orquesta Sinfónica Venezuela.

He was very demanding with his work. I think that is the reason why he did not leave  a very large amount of pieces; he had a special sound universe where the quest for tone colours and timbre were reminiscent of the style of Manuel de Falla and Claude Debussy but with the inclusion in the European language of the symphony orchestra, of indigenous and Afro-Venezuelan elements. I think every one of his works has its own personality.

In contrast to his well-known tough and undiplomatic freedom of expression!, his music has profound poetry, moments of absolute tenderness and delicate filigree. His approach is that of very refined late nationalism, for me it is like talking about Chopin and his Mazurkas in the Venezuelan context although he did not write music based on traditional forms or dances. There is a deep love for his land represented in  works such as the “Suite Llanera” and of course the iconic “Cantata Criolla” which is for us is the equivalent of what Handel’s”Messiah”is for the English, we get goose bumps from the first note. It was a great idea to have used the poem by Alberto Arvelo Torrealba, which values are valid even today in our society, it sets the cunning man, the man of faith in a discussion with the Devil. In this legend, Florentino is the epitome of the great llanero: handsome, a great rider and cattleman, a singer and a poet. The Devil challenged him to a night of singing. If The Devil wins before dawn, Florentino will go back with him to Hell. Florentino’s prize is simply to have defeated the Devil.

When I studied his “17 Canciones Infantiles ” (17 Children’s Songs) I did it with all the care of which I was capable, by applying my knowledge of both language and musical culture as well as that of the pianist formed for academic piano music. I was familiar with versions by Duphil Monique – who is the dedicatee- and the interpretations of some of them made by the great Alirio Diaz from whom I have learned so much through his recordings.

One afternoon I went with my mom, who  sang in the choir of the première of “Cantata Criolla”, to his home in Los Naranjos. The trip from our end of the city where we live up there was something! We were greeted very kindly, he told me stories that inspired him to write some of the pieces, we delved into some details and he said that he had appreciated that I had gone to play the pieces to him; saying our goodbyes, as we climbed into the cab, he told us in “fortissimo” with his lightly nasal voice, how he wanted to make “a bonfire” with recordings of his music he did not like!

He later said after a concert I played at the Museum of  keyboards in Caracas: “Clara Rodriguez is a poet of the piano. If I was a pianist I would like to play them as she does.” That to me is a treasure and when things are not going well, is a phrase that helps me recover my faith in piano playing! I have just recorded them this year and will play them on 16 April in St. James’s Piaccadilly in London.

About four years ago, I was called by the ABRSM to advice them on Venezuelan repertoire for the piano, and after many presentations and meetings, they have already selected three of our composers. It is an honor and a privilege for those publications as are made available in 90 countries and the tests presented by a number of over 650,000 piano candidates.

For the grade four piano exams of the years 2013-2014 they chose”La Peruanita” by Federico Ruiz and for the period 2015-2016 the “Canción para dormir una muñeca” by Antonio Estévez. At the end of the  period it will have been played by anumber nearing the 40,000 pianists around the world.

Antonio Estevez was interested by contemporary art, and together with artist Jesus Soto created instalations. He also worked in Paris in electronic music, activity that inspired him to found the Institute of Phonology of Caracas where composers such as Federico Ruiz, who was supervised the publication of the “Cantata Criolla” and who dedicated his piece “Meeting of Antonio and Florentino” as well as  Juan Carlos Nunez and Alfredo Del Monaco, among others, could experience composing electronic pieces.

Antonio Estévez was born in January 1 1916 in Calabozo, Guárico State and died on November 26 1988 in  Caracas, Venezuela

 

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Antonio Estévez with his teacher Vicente Emilio Sojo

Clara Rodríguez aporta su visión sobre Antonio Estévez

El guariqueño Antonio Estévez es una de las figuras musicales más grandes de Venezuela perteneciente a la importantísima generación de compositores guiada por Vicente Emilio Sojo; fue el fundador del Orfeón Universitario, director e instrumentista de orquesta, perteneció a la Banda Marcial y a la Orquesta Sinfónica Venezuela.

Era muy exigente con su trabajo. Por eso creo que no dejó una cantidad muy grande de obras, tenía un universo sonoro especial en donde la búsqueda de colores tímbricos recuerdan el estilo de Manuel De Falla o de Claude Debussy pero con la inclusión, en el lenguaje europeo de la orquesta sinfónica, de elementos o giros indígenas y afro-venezolanos. Pienso que cada una de sus piezas tiene su propia personalidad.

En contraste con su conocido carácter recio y su poco diplomática libertad de expresión, su música tiene una profunda poesía, momentos de absoluta ternura y de delicada filigrana. Su acercamiento al nacionalismo es refinadísimo, para mí es como hablar de Chopin y sus Mazurkas. Hay un amor profundo por su tierra representado en sus obras que incluyen la “Suite Llanera” y por supuesto en la emblemática “Cantata Criolla” la cual es para nosotros el equivalente al “Mesías” de Handel para los ingleses, nos emocionamos, se nos pone la carne de gallina desde la primera nota. Fue una magnífica idea haber usado el poema de Alberto Arvelo Torrealba, el cual está siempre vigente y define al hombre astuto y de fe, es casi nuestro Fausto con la diferencia de que Florentino no parece ser tan vanidoso.

Cuando estudié sus “17 Canciones Infantiles” lo hice con todo el cuidado del cual yo era capaz, aplicando el conocimiento tanto de nuestro idioma y cultura musical como el de pianista formada para la música académica para piano. Estaba familiarizada con las versiones de Monique Duphil – a quien están dedicadas- y las interpretaciones de algunas de ellas hechas por al gran Alirio Díaz de quien he aprendido tanto a través de sus grabaciones.

Una tarde fui con mi mamá, quien por cierto cantó en la primera audición de la “Cantata Criolla”, a su casa en la urbanización Los Naranjos . El viaje desde el otro extremo de la ciudad en donde vivimos -El Paraíso- hasta allá no fue cualquier cosa. Nos recibió muy amablemente, me contó anécdotas que lo inspiraron a escribir algunas de las piezas, seguramente que profundizamos en algunas cosillas, pero muy poco. Me agradeció el gesto de haber ido a tocarle las piezas; al despedirnos, ya cuando nos subíamos al taxi, nos contó en “fortíssimo” con su voz un poco nasal, cómo quería hacer “una fogata” con las grabaciones de su música que no le gustaban, así nos despedimos.

Tuve el privilegio de que me las oyera en el Museo del Teclado y dijera: “Clara Rodríguez es una poeta del piano. Si yo fuera pianista me gustaría tocarlas como ella las hace”. Eso para mí es un tesoro y cuando las cosas no van bien, es una frase que me ayuda. Las pienso grabar este año y las tocaré el 16 de abril en St. James’s Piaccadilly en Londres.

Hace unos cuatro años me llamaron del cuerpo de exámenes musicales llamada Associated Board of the Royal Schools of Music para consultarme sobre repertorio venezolano para piano, y después de muchas presentaciones y reuniones, he tenido la gran satisfacción de que ya han seleccionado a tres de nuestros compositores. Eso representa un honor para todos ya que esas publicaciones son adquiridas en 90 países y los exámenes son presentados por un número de más de 650.000 candidatos.

Para los exámenes del cuarto grado de piano de los años 2013-2014 escogieron la pieza “La Peruanita” de Federico Ruiz y para el período 2015-2016 la “Canción de cuna para dormir una muñeca” del maestro Antonio Estévez. Al final del lapso la obra va a haber sido tocada por cerca de 40.000 pianistas alrededor del mundo.

Antonio Estévez tuvo una preocupación por el arte contemporáneo, y sabemos que colaboró en instalaciones con Jesús Soto. También trabajó en París en música electrónica, actividad que lo inspiró a fundar el Instituto de Fonología de Caracas en donde compositores como Federico Ruiz -quien fue su copista y quien le dedicó su pieza “Encuentro de Antonio y Florentino”-, Juan Carlos Núñez y Alfredo Del Mónaco, entre otros, pudieron experimentar en esta rama de la música.

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Antonio Estévez con su maestro Vicente Emilio Sojo

Furiously rhythmical -My next London concert is on June 7th at 4.00 pm

SouthBank-RGBHow can one explain that some pieces are delicious to play? I can only suggest to travel as far as the Southbank Centre which is much nearer than say Caracas or Buenos Aires to listen and feel that the sounds have a third dimension, that they can be palpable and can be savoured; does it make sense? Please let me know after you’ve been.

I love every bit of the pieces we shall be performing on the afternoon of Sunday 7th June at 4.00 pm at the very prestigious Southbank Centre, one of those London landmarks that I have been visiting since I was a student at the Royal College of Music and where I have had the priviledge of performing regularly since 1992. Since the date and the time are so joyous, a sunny Sunday afternoon, I thought that only a programme full of idem pieces could fit the bill.

Commencing by two magnificent pieces by Albéniz, Evocation and El Puerto, I think that I set the mood evoking past times pregnant with nostalgia as well as the happiness of the music that has dance elements in its core followed by two Argentinean dances by Alberto Ginastera, again two contrasting gems of the piano repertoire. The waltz Adriana by my friend Miguel Astor will be performed just before Gerswihn’s Rhapsody in Blue. After this wonderful well-known piece, I shall be joined by my musician friends to give an account of the beautiful and sad zamba by Ariel Ramírez, Alfonsina y el mar and to follow with the feminine touch, we shall perform Pajarillo by another dear friend, composer Luisa Elena Paesano, the public will feel the happiness of the Venezuelan sunshine in sounds!

The journey will continue down to Brazil with a famous choro by Ernesto Nazareth, Odeon, to then round off  this first half with the popular Joropo by Moisés Moleiro.

Plantio do caboclo by Heitor Villa-Lobos opens the second half to give way to more chorinhos or Brazilian tangos as Nazareth really called them. Colombian music will be represented here by two compositions by Germán Darío Pérez, jazzy but traditional at the same time, his pasillo and bambuco are based on typical rhythms from his country with what we detect as an influence of the genre created by Aldemaro Romero called Onda Nueva.

I have included too the famous Malagueña by the Cuban Ernesto Lecuona redolent of Andalucian feeling and the brilliant Zumba que zumba by Federico Ruiz.

To end this marvellous journey we plan to première a piece by the very young composer Carlos Pérez Tabares, originally written for the piano but under my request he has kindly arranged it by adding the cuatro and the double bass to it, Wilmer and Ernesto have added the percussion and drums. It is called Merengada de pajarillo. I’ll explain more about it in the concert. It is really interesting and exciting…ok, it is a Venezuelan merengue inspired by the joropo called Pajarillo.

In sum it is a very special programme that mixes nostalgic, expressive pieces with fast and happy rhythmical ones . Much of this music is characterized by virtuosity, improvisation, subtle harmonies and it is full of syncopation!

I really hope that you will get a lot of the enjoyment we feel when we perform it.

For tickets and more information: http://www.southbankcentre.co.uk/whatson/clara-rodriguez-piano-recital-90186

Clara Rodriguez, piano

Cristóbal Soto, guitar, cuatro, mandolin

Ernesto Marichales, drums

Wilmer Sifontes, percussion

Marius Pibot, double-bass

VENEZUELA AND ITS MUSICIANS / An eternal quest for expression

VENEZUELA AND ITS MUSICIANS
An eternal quest for expression

Some recent articles, public comments and even a book about the musical life in Venezuela that I have been reading have prompted me to write down a few facts in order to illustrate something about a subject that is seldom talked about.
In a way I’m grateful that English and North American critics are taking an interest on Venezuela and its musicians, The Guardian, The Telegraph, The Daily Mail, The LA Times, Classical Music Magazine have dedicated articles where people have commented, sometimes with address and sometimes showing total ignorance and disrespect for the subject, its history and its protagonists.
I will try to be brief and will only give some historical dates, common knowledge for Venezuelans, but not for the rest of the world as it seems.

Venezuela –its origins /history

Christopher Columbus sailed along the eastern coast of Venezuela on his third voyage in 1498, the only one of his four voyages to reach the South American mainland. The second Spanish expedition, led by Alonso de Ojeda, in 1499, gave the name Venezuela (“little Venice” in Spanish) to the Gulf of Venezuela—because of its imagined similarity to the Italian city.
During the colonial period, the most horrible holocaust of indigenous people took place from the hands of Europeans (many millions of aborigines were killed), as the former were considered to be inhuman or lazy, to compensate, Africans were brought as slaves.

Historian Acosta Saignes says that “During the colony, everything depended on the slaves. On their shoulders fell the weight of the maintenance of that society, they were pearl divers , discoverers of mines , fishermen , farmers, ranchers , workers specialized in mining , blacksmiths, domestics, musicians , barbers , butchers , soldiers, etc.”
This situation contributed to the enrichment of the main European countries and formed a small well-off class in Venezuela.

Spain imposes its thought in Latin America ensuring the monopoly of language and religion by two decisions of state. The first establishes a single legitimate language, Castilian through the grammar of Nebrija, which is offered to the Catholic kings as a tool for better management of the conquered lands as “Language has always been the companion of the empire”. In Spain more than half a dozen languages are spoken: in the Iberian America, only Castilian. The second decision is to impose the Catholic religion. The Treaty of Tordesillas assigned to Spain a generous portion of the New World, provided they ensured the conversion of its inhabitants. The Spain of the time has just expelled Arabs and Jews and considers religious uniformity as a precondition of political domination; tolerance would be unthinkable.
The cultural apparatus that will take the decisive task in the process of acculturation of America is the Church. The conqueror destroys and reduces insubordination from the indigenous and the Africans slaves, and makes these productive by installing obedience through the understanding of the instructions, beliefs and values of the dominator. At the same time the Crown subordinates the Church with a regime of Trustees. Then, there is the monopoly of Education; Crown and Church strictly regulate who can learn to read. There can only exist no-banned books. Reading and writing fiction is prohibited. The first printing press was installed in Mexico City in 1539. Only white people are allowed to read. Most universities are religious schools (Caracas’s one was founded in 1721).   Lectures were in Latin and reserved for the “well white” male. Other monopolies that ensured three hundred years of oppression were those of politics, blood and ideology, settlement, trade, forced labor and of the flora and fauna . The colonial economy was not directed towards autonomy and internal development, but towards exports to the metropolis. Trade between American regions was limited or nonexistent. Everything was exported to a few Spanish ports. A minority of just 1.3% of peninsular whites born in Spain, could hardly assert exclusive privileges against the rest of the population. This task will also make it difficult for the 20.3% of white Creoles, born in Venezuela, who tried to limit the independence to a simple cut of political subordination to Spain, appropriating the privileges of the peninsular. The movement would inevitably open the way for political and military involvement, 79.7% of the population, comprising the “vile castes”of browns, blacks and Indians who were seeking to conquer long neglected social, economic and political rights militated first in the ranks of the Crown and then with the patriots.
In my humble opinion, Latin America is still suffering from the inequalities and trauma that this piece of human history talks about.

MUSICALLY SPEAKING

To situate ourselves in the music world, composers such as Carlo Gesualdo, Giovanni Palestrina and Claudio Monteverdi, were still alive when the city of Caracas was founded in 1567. Melchor Quintela was the first organist of the city from 1571 and his playing at the church was attractive for the population of the time.

The first piece of information about academic music in Caracas dates from 1591 when organ concerts were played in the main church. We also know that in 1640 the town hall opened a music school (free to any citizen) where people could learn plainchant. The music society grew in stature and in 1671 the position of Church Master was created. Padre Gonzalo Cordero was the first Maestro de Capilla.

Far from Caracas, in the Eastern corner of Venezuela, in the mission of Píritu in the province of Concepción de Castilla la Vieja, Fray Diego de los Ríos was given permission to use Caribbean natives or Indians to build a church which he filled with his own paintings as he was a good artist, he was a musician and a composer.
Shortly after the town was founded, the Indians of San Miguel were the best singers of the area, singing mass in Latin with great finesse and expression arousing the admiration of all the locals.
Fray Diego also composed motets and carols with ethnic lyrics –in Caribe language-, that delighted the residents and visitors.
Thus San Miguel de los Araguaneyes became the birthplace and centre of the new music.
These works of Fray Diego de los Ríos, none of which is preserved, were perhaps the first musical pieces composed in Venezuela.
Fray Diego died in the main monastery of the Order, in Caracas, in 1670.
It is quite picturesque to see that at the time when The Enlightenment (1650s to the 1780) was the main philosophical current in Europe and composers such as Rameau were being inspired by the idea of the exotic beauty coming from faraway lands, the powerful European countries were fighting each other through pirates on the coasts of Venezuela, on the Caribbean Sea.

At this time too, European musical instruments existed in the homes of the rich in Caracas, mainly in the form of harpsichords and guitars.

An important influence on the music making of the country is found in the person of Francisco Pérez Carnacho, born in 1659, who taught music during 43 years at the Cathedral and at the Real y Pontificia Universidad of Caracas. Ambrosio and Alexander Carreño were also important music teachers of the time.

The first Venezuelan orchestra was created, in the 18th Century, “La Filarmónica” of which there are testimonials of their special performances during the year of 1766 for the celebrations of the ‘Príncipe de Asturias” wedding.

In 1771, Pedro Ramón Palacios y Sojo** (known as Padre Sojo) organizes and funds a music school in the outskirts of Caracas; in 1781 he names Juan Manuel Olivares as Director of the Escuela de Chacao from where stemmed some 30 composers and about 200 performers, it is important to note that the population was of 40.000 inhabitants in 1799.

In this school of music the style taught and performed was that of Europe’s 18th century, two genres were cultivated: a religious one, with Latin texts, and a profane one in Spanish. Juan Manuel Olivares, José Francisco Velásquez, José Antonio Caro de Boesi, Bartolomé Bello, Francisco Javier Istúriz, José María Izaza, Manuel Peña Alba, Lino Gallardo, José María Montero, José María Cordero are some of the composers that were taught in this school.
Two of the most notorious:
José Angel Lamas (1775- 1814) wrote two now popular pieces, the Popule Meus and Mass in D.
Juan José Landaeta, from Caracas (1780-1814) was a composer and an orchestral conductor who founded the first opera company of the country in 1808.
After this date opera and zarzuela were always an important part of the entertainment on offer in the city.

INDEPENDENCE

In April of 1811, to commemorate the first year of the Independence movement, there were, in Caracas, concerts in five churches with orchestras and ensembles of at least twenty members each.
In general the colonial music presents solid construction in terms of counterpoint, harmony and expression. Works were mainly of religious inspiration; Mozart, Haydn, and Pergolesi were the main influence. Although we do not find direct folk elements in it, the language and style are distinctly Venezuelan. At the time these same composers wrote a considerable number of patriotic songs too, the future National Anthem of Venezuela was also composed. There was also chamber music being composed and performed, some examples are the works by Juan Manuel Olivares and Juan Meserón from whom there are several symphonies and overtures.
The war of Independence scattered the group, many of them died in battle and the few survivors got divided ideologically by the revolution.
Some of them, such as José de Asturia and Nicolás Quevedo Rachadell, crossed the Andes next to Simón Bolívar in this independent quest and took to Bogotá (Colombia) chamber music, opera and founded the first “Sinfonía Bogotana” as well as the first Music Conservatoire of Colombia.

The main influence Simón Bolívar had in his education came from his tutor Don Simón Carreño, better known as Simón Rodríguez. Interestingly, his brother Cayetano Carreño (1766- 1836) was a prolific composer and Maestro de Capilla of the Caracas Cathedral nearly all his adult life. The latter had three sons, composers like him, one of them was Manuel Antonio Carreño who became a most sought after piano teacher in Paris after having taught his child-prodigy daughter Teresa Carreño (1853-1916). Teresa Carreño next to Clara Schumann was the most important female pianist of the 19th century. She was showered with praised around the world for her immense talent by Gounod, Liszt, Grieg, premièred MacDowell’s music in North America and Europe and her compositions were published when she was still a teenager, in Paris.
Another Venezuelan, Reynaldo Hahn 1874-1947, was a most celebrated musician in the French scene, composing operas, songs and being the Director of the Paris Opera.

By 1854 slaves were freed by decree, there were about 40,000 of them, mostly in the provinces of Caracas and Carabobo; their masters were handsomely remunerated by the nation.

The Ministry of Education has its origins in 1870, when then President Guzmán Blanco, established by public decree, free and compulsory Education for all. Since then Venezuelans can do all their studies free of charge, that includes all music training plus many grants, scholarships and credit at very low rates have been awarded to those that wish to study abroad.

Up to now all the main orchestras, choirs, ensembles are financed by the state, as are the main theatres and concert halls. I must say that for soloists the financial support is less satisfactory.

After the Independence war (1810-1823) The Santa Capilla Music School, also known as Escuela de Música y Declamación, in the centre of Caracas was founded in 1849, known since 1916 by the name of Escuela de Música José Angel Lamas where a most distinguished musician, Vicente Emilio Sojo (1887-1974)  taught composers such as:
Antonio Estévez (Calabozo, Edo. Guárico, 1916 – Caracas, 1988)
Ángel Sauce (Caracas, 1911 – 1995).
Evencio Castellanos (Cúa, Edo. Miranda, 1915 – Caracas, 1984)
Antonio José Ramos (Carúpano, Edo. Sucre, 1901)
Víctor Guillermo Ramos (Cúa, Edo. Miranda, 1911)
Inocente Carreño (Porlamar, Edo. Nueva Esparta, 1919)
Gonzalo Castellanos (Canoabo, Edo. Carabobo, 1926)
Antonio Lauro (Ciudad Bolívar, Edo. Bolívar, 1917 – Caracas, 1986)
Carlos Enrique Figueredo (Tocuyito, Edo. Carabobo, 1910 – 1986)
Moisés Moleiro (Zaraza, Edo. Guárico, 1904 – Caracas, 1979)
Luis Felipe Ramón y Rivera (San Cristóbal, 1913 – Caracas, 1993)
José Clemente Laya (Caracas, 1913 – Maracay, Edo. Aragua, 1981)
Blanca Estrella Veroes de Méscoli (San Felipe, Edo. Yaracuy, 1913 – Caracas, 1987)

Modesta Bor (Juan Griego, Isla de Margarita, 1926 – Merida, 1998)

José Antonio Abreu (1939), Alba Quintanilla (1944), Francisco Rodrigo (1938), Luis Morales Bance (1945) and Federico Ruiz (1948).

Other composers from the turn of the 19th century are:
Heraclio Fernández (1851-1886), Ramón Delgado Palacios (1863-1902), Pedro Elías Gutiérrez (1870-1954), Federico Vollmer (1834-1901) , Augusto Brandt (1892-1941), Simón Wohnsiedler, Laudelino Mejías, Prudencio Esaa.

More independent composers:
Juan Vicente Lecuna (1899-1954), Eduardo Plaza (1911-1980), Rházes Hernández López (1918-1991), Luis Felipe Ramón y Rivera (1913-1993), Isabel Aretz (1909). Alfredo Del Mónaco (1938) , Juan Carlos Núñez (1947), Maria Luisa Escobar ( 1898 – 1985),  Aldemaro Romero (1928-2007).

Vicente Emilio Sojo also founded the Orquesta Sinfónica Venezuela that played its first Concert on 24th of June 1930 dedicated, as reads the programme: ” to senior officials, artists, writers and the very cultured Caracas society”.

In their weekly concerts at the Teatro Municipal, the Aula Magna and Sala Ríos Reyna of the Teresa Carreño Cultural Centre, at very low ticket prices and in the last 12 years free entrance, the orchestra has played under national and international conductors such as Igor Stravinsky, Heitor Villa- Lobos, Sergiu Celibidache , Wilhelm Furtwängler, Charles Dutoit, Rodolfo Saglimbeni, Eduardo Marturet, Theodore Kuchar. Similarly, countless works , both domestic and international, have been world- premiered by this orchestra. Soloists have included Claudio Arrau, Marta Argerich, Henryk Scheryng, Yo Yo Ma, Judith Jaimes and the new generation of artists. Since its inception the Symphony Orchestra of Venezuela has dabbled in all possible areas of orchestral events: opera, ballet,  chamber music and concert series , recordings, soundtracks , many symphonic performances, which include concerts for children , Christmas, folk, jazz and popular music , symphonic rock and tangos , among others.It has toured internationally and in In 2007 they travelled to the Russian Federation, the first Venezuelan orchestra to do so.

In 1965, an initiative of Inocente Palacios, the Estudio de Fonología Musical del INCIBA was created. There, Alfredo Del Mónaco (1938) produced his first electroacoustic works.

From 1968 Yannis Ioannidis (1938), taught composers such as Federico Ruiz (1948), Emilio Mendoza (1953), Servio Tulio Marín (1947), Alfredo Marcano Adrianza (1953), Ricardo Teruel (1956), Carlos Duarte (1957-2003) , Alfredo Rugeles (1949).

Antonio Mastrogiovanni (1936) taught Juan Francisco Sans (1961), Miguel Astor (1958), Juan de Dios López (1962)

Since the 80’s there has been a few generations of graduates from the Composition faculty of the Juan José Landaeta Conservatory ; the Iudem (Instituto Universitario de Estudios Musicales), where we find composition teachers such as Blas Emilio Atehortúa, Beatriz Bilbao, Federico Ruiz, Ricardo Teruel.

Also from the faculty of composition Antonio Estévez where Juan Carlos Núñez has taught composers such as Adrián Suárez who has made an impact with his compositions mixing Amazonian Indian native performers with the symphony orchestra. Other concertos written with Venezuelan ethnicity in mind are the Concerto for Guitar and Orchestra by Antonio Lauro, the Cuatro and Orchestra concerto by Vinicio Ludovic and the Second Piano Concerto for Piano and Orchestra by Federico Ruiz.

There is too a Composition MBA course taught at the Universidad Simón Bolívar by Diana Arismendi, Adina Izarra and Emilio Mendoza.
The contribuition of the Musicology Faculty of the Universidad Central de Venezuela directed by Maria Antonia Palacios and Juan Francisco Sans has also provided the country with interesting academic and research work from its students.

Some other of today’s working composers are:
Jesús Alvarez , Mirtru Escalona Mijares, Giovanni Mendoza, Gustavo Matamoros , Álvaro Cordero, Julio D’Escriván , Beatriz Bilbao , Ricardo Lorenz-Abreu , Mercedes Otero , Jacky Schreiber, Manuel Sosa, Efraín Amaya, Arcángel Castillo, Sylvia Constantinidis, Luisa Elena Paesano , Marianela Arocha, Pedro Mauricio González.

There is a long list of younger composers that are now writing furiously for the piano, the guitar, ensembles and infinite combinations of orchestral instruments.Among the emerging talents of today’s are names such as Luis Alejandro Álvarez, Leonidas De Santiago, Wilmer Flores, Tito Nava, Albert Hernández, Ryan Revoredo, Harold Vargas, Icli Zitella.

Beginnings of “El Sistema”

On 12th February 1975** the public was present at the Teatro Municipal for the first concert given by the Orquesta Nacional Juvenil founded and conducted by Dr. José Antonio Abreu -who has dedicated his life to developing his idea which has grown both in numbers of children and youth orchestras and choirs, as well as in outstanding artistic and musical quality, reaching hundreds of thousands of children and young people all over Venezuela (to the last corners of it) and exporting the programme to many countries in the world.
In 1995, Dr. Abreu was designated by UNESCO as Special Ambassador for the development of a Global Network of Youth and Children’s Orchestras and Choirs, as well as special representative for the network of the development of orchestras under the ” World orchestras and Choirs Movement for Youth and Children “, “Príncipe de Asturias” amongst many other prizes internationally.
Some of the most prestigious conductors in the world, such as Claudio Abbado , Eduardo Mata, Zubin Mehta, Sir Simon Rattle , Gustavo Dudamel, who was trained at the “Sistema” and is the current conductor of the Los Angeles Philharmonic (USA ) and many soloists of the stature of Placido Domingo, Mstislav Rostropovich , Alicia de Larrocha , Montserrat Caballé or Vladimir Spivakov have performed with orchestras belonging to this orchestral movement.

The organization also includes workshops for children and young people in learning to build and repair instruments and special programmes for children with disabilities or learning difficulties, as the White Hands Choir, composed of deaf children. The FESNOJIV provides technical and organizational assistance to all public schools seeking integration into the musical system and is supported by neighbourhood associations, parents, municipalities and institutional representations to facilitate the rehearsal or musical instruments needed.

This educational / musical and social programme goes hand in hand with the demographic explosion that has transformed the country as in the last four decades Venezuela’s population has quadruplicated and there has been an important new immigration from other Latin American (especially from Colombia) as well as Caribbean countries such as Haiti.

The highly regarded Simón Bolívar Orchestra is a product of El Sistema but it is now a professional orchestra rather than a youth one, and there are two of them: the OSSB “A” and the OSSB “B”, a division that I think has to do with age groups. The Teresa Carreño Orchestra is also world famous but still within the range of teenage musicians.

Other orchestras and ensembles

Then there are other professional orchestras that perform weekly in Caracas such as the Filarmónica Nacional and the Orquesta Municipal de Caracas, there is also the Orquesta Sinfónica de Maracaibo in Maracaibo city.

We must mention too the vast choral movement where the most famous are the Schola Cantorum and the Orfeón Universitario, the Baroque and Renaissance orchestras and ensembles of which the Camerata de Caracas is widely known, the estudiantinas, Orquestas Típicas, ODILA (Orchestra of Latin American Instruments), Bandas Marciales, fusion ensembles and of course salsa musicians, folk and jazz groups, pop bands.

Venezuela produced in the 20th century a great number of distinguished performers. Alirio Díaz was one of the most famous guitarists in the world but towards the end of the century and nowadays the number of soloists and conductors is much larger and admired worldwide. The same can be said about the number of orchestral players that today belong to important orchestras around the globe such as the Berlin Philharmonic, the Royal Concertgebouw, Basel Symphony Orchestra and many others.
I apologize for not going further in this most modest piece of writing but right now I must go to practice Chopin Concerto No 1 that I’m playing in a few days in London.
Thank you for reading this.
Best wishes
Clara Rodríguez

*Brother of Bolívar’s maternal grandfather
** Youth Day in Venezuela. José Félix Ribas fought in numerous battles of the “Campaña Admirable”; however the most crucial episode was the battle of La Victoria (12 February 1814) in which he and his fellow comrades succeeded in foiling the advance of José Tomás Boves’s formidable royalist forces (commanded in this battle by proxy Francisco Tomás Morales, while Boves recovered from wounds). Ribas won this victory with inexperienced troops, composed mainly of youths, students, and seminary candidates that Ribas had succeeded in recruiting. Ribas told his young soldiers,  before a crucial battle that “We have no choice between victory or death, we must achieve victory” (“No podemos optar entre vencer o morir, es necesario vencer”). After many hours of fierce resistance, Republican reinforcements arrived under the command of Vicente Campo Elías. It is in honor of this episode of Venezuelan history that modern Venezuelan citizens now celebrate the “Día de la Juventud” (“Day of Youth”). Each 12 February, therefore the concert hall that bears the name of José Félix Ribas is where the Youth Orchestral Movement of Venezuela plays its annual anniversary concert.

Some sources: Musician José Antonio Calcaño Calcaño (Caracas 1900 – Caracas,1978), Articles by historians Acosta Saignes, José Luis Salcedo Bastardo, Luis Britto García.

I have also recorded  CDs of Venezuelan Piano Music that are available on the Nimbus label in which I have added booklets with the relevant information on many of the composers here mentioned, their influence and impact.

http://www.wyastone.co.uk/catalogsearch/result/?q=clara+rodriguez+cds

http://pianoclararodriguez.blogspot.co.uk/2010/04/about-myself.html?view=flipcard

http://pianoclararodriguez.blogspot.co.uk/2010/04/piano-clara-rodriguez.html?view=classic

“No mortal can compare to Liszt” by Clara Rodriguez

14082503Written and compiled by Clara Rodriguez
Staged in Caracas in July 2011

Characters:

· Pianist: Clara Rodriguez

· Actress: Caridad Canelón

· Narrator: Miguel Delgado-Estévez

Clara enters in  darkness and sits at the piano, a dim light becomes stronger gradually and she starts to play the Concert Study No. 3 “Un sospiro” by Franz Liszt

ACTRESS: Franz Liszt, was a Hungarian composer and pianist who has been described as the first rockstar. His extraordinary success led to terms like Lisztomania and Liszt Fever due to the hysteria produced by his public appearances.

NARRATOR: At the time of his birth, in Vienesse cafés, Beethoven talked to his friends of Bolívar’s triumphs in Latin America, it was the year of the signing of the first Constitution of the Republic of Venezuela, it was the year of  The Great Comet of 1811 times of change and wars in Europe, although his birthplace, Raiding, had barely become Hungary, it had been beforeTurkish territory. It was still a feudal country where the Lords lived in luxury.

ACTRESS: His father, Adam, worked for the Esterhazy royal family where concerts were the main activity . Haydn took care of the programming for 30 years

NARRATOR: Liszt heard in his childhood lots of classical music and used to also love listening to the music Gypsies played near his home.

ACTRESS: At the at age of  9, he played his first concert despite having malarial fever. The listeners were impressed. A subsequent concert secured him a scholarship that enabled him to travel to Vienna. There, he studied with Salieri and Czerny.

NARRATOR: Czerny with his disciplined method decided to teach him for free.

ACTRESS: They say, that in admiration, Beethoven kissed the hands of the young Liszt, although his detractors critized this saying that it was just part of thehype” done for the young virtuoso.

NARRATOR: At 13 he sets his home with his ​​parents in Paris, the most artistic capital of the time.

ACTRESS: Cherubini, then director of the conservatory, would not accept him as a student despite having prayed, cried and even submitted letters of recommendation from the Hungarian nobles and aristocrats. A sense of terrible failure invaded Franz and his father.

NARRATOR: Franz could anyway display his talent by playing many concerts thanks to these letters.In a few months he was considered the 9th. Wonder of the World!

ACTRESS: Cherubini !!!

NARRATOR: At the age of 20 Liszt met three people who had a powerful influence on him: Paganini, Chopin and Berlioz.

ACTRESS: Paganini had invented a mysterious form of virtuosity. His compositions imitated the sound of thunder, the humming of the wind, laughter. His figure was amazing because it was just skin and bones, just his fingers looked very strong

NARRATOR: One of the great ambitions of Liszt was to transcribe Paganini’s Capriccios for the piano.
ACTRESS: Liszt also reduced Beethoven nine symphonies for the piano thus helping later generations to know them.

NARRATOR: Liszt  deeply appreciated the creative, almost violent, genius of Berlioz .. It took him a little time to adjust to it but he studied the composition and orchestration techniques transcribing works such as the Symphonie Fantastique.
ACTRESS: Chopin spirit and musical poetry impressed Liszt, it was fascinating to see how he was only interested in the piano as a means of expression. The mutual admiration felt is reflected in the biography that Liszt wrote of the great Polish where there’s an  acount of the day Chopin appeared in one of the salons of Paris wearing a blond wig imitating his fellow pianist.
CLARA PLAYS  CHOPIN STUDY No. 1 Op. 25
ACTRESS: Liszt was an intellectual, at age 22 he wrote to his friend Pierre Wolf:
NARRATOR: “for the last fifteen days my spirit and my fingers work like hell: Homer, Lord Byron, Chateaubriand, Victor Hugo, Beethoven, Plato, Mozart, Bach and the Bible are around me I study, meditate, devour with rage; practice between 4 to 5 hours daily exercise, thirds, sixths, octaves, tremolos, repeated notes, cadences, etc .:either I go crazy or I’ll become an artist !!! At this time he was broken-hearted as his ​​student Caroline de Saint Cricq could not love him…
ACTRESS: (dramatizing) My father has forbidden me to see Franz, I’ve heard that he has fallen into a depression for several months that has led to stop appearing in public, it was even published that he had died
NARRATOR: and the myth continued to grow.
In his deathbed Adam Liszt had warned his son: “Beware Franz, because from what I see, women will be your downfall.”

ACTRESS: Then came the secret romance with the Countess Adele Laprumarede, something a little less passionate but successful.

CLARA PLAYS ADRIANA WALTZ by MIGUEL ASTOR

ACTRESS: Franz had amalgamated in his playing, classic old school with his new methods and virtuosic inventions. His attack and brilliance, speed and beauty of sound coupled with his intelligence and physical attributes had great effect on the Parisian salons, especially on the female audience.

NARRATOR: One of these ladies -friends with Berlioz- fell in love with the young Franz, Countess d’Agoult, who was married with three children. Liszt was 22, she was 28, blonde and goodlooking but with no sense of humor. Although she disliked music, her passion for Liszt blinded her, she would not take any consideration of the social consequences this relationship that lasted 10 years, would bring her. Some called them immoral, but for Liszt, it brought the necessary calm to begin developing his work as a composer.

ACTRESS: They were settlled in Geneva where Blondine was born. Franz taught at the conservatory. His appearance was still that of a teenager; his long hair was always a topic of conversation among his acquaintances, and in his index finger he wore a gold ring with a silver skull.

NARRATOR: A Punk teacher !!!

ACTRESS: Then they moved to Italy near Lake Como where Cosima was born in 1837.

NARRATOR: she was to marry Richard Wagner, in her adulthood, .

CLARA PLAYS “AU BORD D’UNE SOURCE” BY LISZT

ACTRESS: They then decided to move to Italy to read Dante and the Classics. The success achieved in this country, particularly in Milan, was brought down because of a series of articles Liszt wrote in the Paris Musical Gazette attacking what he saw as bad taste in the Italian musical world, for which he was declared persona non grata.

NARRATOR: The relationship with the Countess had begun to deteriorate, too much responsibility was now imposed by having a household with five children, he saw all this as an impediment in fullfilling his career and travels!. Reasons or excuses were repeatedly discussed :

ACTRESS: “Franz, last night after your concert, on the way home,  you directed not one word to me,  why are you so cold?” Why do you have to play all these benefit concerts that keep you away from us ?”

NARRATOR: In a letter Liszt writes:
Marie! Marie! Let me repeat that name a hundred times, a thousand times. For three days it has lived inside me, oppressing and burning me Heaven, hell, everything, everything in you and you … again, we live with all our experience, love, and all our woe!
The day you can tell me with all your soul, with all your heart, all your mind,let us erase, forget forever, everything that is incomplete, painful, and distressing from the past; let us be everything to each other, because now I understand and forgive as much as I love you “that day, and it may be soon, we will fly away from the world, we will live, we will love and die only for each other

ACTRESS: Those words belonged to a dying love.

NARRATOR: These two lives were like two out -of- tune pianos !!!

ACTRESS: She returned to Paris with the children and he went on his globetrotting life to almost every corner of Europe.

CLARA PLAYS PETRARCH SONNET 104 by LISZT

ACTRESS: Medals,  sabers and gold swords were offered, Liszt was acclaimed and beloved as much as the little Mozart was in his time.

NARRATOR: In a letter he says “Prague is the city that has the best taste in music. At this time the aristocracy is delighted with me; women are at my disposal, men give in to this situation with some humor “. Liszt made ​​several tours in Russia with great success. At first, the audience saw him as an eccentric, there no one would have thought of appearing on stage flaunting such a mane, much less adorn the lapels with as many commendations, but all these speculations were forgotten when Liszt started playing, simply, they maddened under its spell .

ACTRESS: With his concerts he made ​​much money and came to build a carriage that must have been almost a caravan where he had a room and a study that contained a piano.

NARRATOR: At this time his number of ties amounted to three hundred and sixty-five. A different one for each day of the year.

NARRATOR: Liszt avoided returning to Paris for a while not to meet Madame d’Agoult instead he was traveling the Mediterranean area, accompanied by his lover of the moment, Lola Montes.

ACTRESS: That wandering life and the indiscriminate popularity began to tire him My life seems to be an endless search.

NARRATOR: “I feel I‘m marked by a heavy futility. Am I doomed to do this type of minstrel’s work for life?

CLARA PLAYS VALS DESTILADO BY RICARDO TERUEL

NARRATOR: The Grand Duke Carl August of Vienna offered him the position of musical director of Weimar

ACTRESS: Before taking his post he would end one of his tours in Russia. In his last concert in Kiev he found a warm letter in his dressing room alongside 100 rubles.

ACTRESS: The next day in a thank you gesture to the sender … his life and destiny were sealed … once again.

NARRATOR: Her name: Princess Caroline Wittgenstein, eight years his junior, married but separated from a Russian billionaire Prince attached to the Tsar.

ACTRESS: A very serious person, avid reader and as religious as Liszt himself. She invited him to stay at her mansion where they were together for several weeks.

NARRATOR: Her plan was to sell the properties and divorce, but the government did not grant her permission to leave Russia, she managed to ran away to meet Liszt in the city where they would live for the next twelve years.

ACTRESS: Liszt was devoted to the composition and premiered as many operas as he could. He admired and supported Wagner of whom he said was composing the music of the future.

NARRATOR: Liszt also became a conductor and created the modern orchestra as we know it today. These were the years of the invention of the symphonic poems and works such as the magnificent Sonata in B minor.

Let’s listen to an excerpt of it

CLARA PLAYS approximately 10 ‘of the first part of the SONATA in B minor by LISZT

ACTRESS: After twelve years he was disappointed by how narrow minded Weimar was .

NARRATOR: If I had only dedicated myself to please the taste of the big wigs the newspapers would not have insulted me as they have.”

ACTRESS: He found comfort in the love of the princess, music and religion; they had hoped to marry and so they made a trip to the Vatican. The wedding would be held on the 50th birthday of Franz’s, at St. Charles the Corsican. On the eve of the marriage an envoy of the Pope told them that she was still technically married in Russia and that her husband was opposed to the wedding.

NARRATOR: What a horrible disappointment suffered this pair of beings! They decided to live separately, but always maintained a close relationship to the end of their lives.

CLARA PLAYS CARMEN ROSA BY FEDERICO RUIZ

NARRATOR: Liszt, by the circumstances of his life, was often thrown into situations that had similarities with Faust, he also was Mephistopheles! He seemed to negotiate with false gods not always getting the desired results.

ACTRESS: In the last stage of his life he had the appearance of a magician apart, wearing clerical clothing. He went on to receive the Provincial Franciscan Order at the Vatican and produced a great amount of religious works.

NARRATOR: After living in an apartment in this exclusive “hotel” he was invited to the Villa d’Este where he spent time each year for twenty years. What he really would have liked was to be named musical director of the Vatican but his past-and present-shocked society in Rome.

CLARA PLAYS WALTZ No 1 BY JUAN CARLOS NUÑEZ

ACTRESS: The Duke of Weimar rehired him while the Hungarians invited him to create the Academy of Music in Budapest two invitations that he gladly received after his retirements in Rome he was feeling revitalized and free a new princess awaited him though, widowed with children and very passionate. The Baroness Olga  Meyendorff. But that was not the only Olga that would occupy part of his spirit, there was also Olga The Cossack.

NARRATOR: This young lady was not afraid of nature, hunted lions,tamed tigers, crossed the steppe on the back of her Arabian horses, was an anarchist, atheist, made animal dissections and ​​without possessing the necessary talent also wanted to be a pianist total failure !!!

ACTRESS: In her first meeting with Liszt she took a puff of a cigar and noting the figures of a Christ and a Virgin asked the teacher if “they” would not mind the smoke, Liszt replied:

NARRATOR: “My child, for them it is just another type of incense

ACTRESS: Liszt wanted to end the relationship but…

NARRATOR: She appeared in his apartment in Budapest with a gun, wanted to kill him and kill herself. Liszt  said that next to this girl George Sand was a shy schoolgirl.

CLARA PLAYS DANCE of the Gaucho Matrero BY ALBERTO GINASTERA

NARRATOR: a young North American piano student, AMY FAY, travels through Germany  with the idea of ​​studying with Liszt

ACTRESS: Tonight I went to the theatre and I’ve seen him! Liszt is the most handsome and interesting man imaginable. Tall and slight, with deep-set eyes, bushy eyebrows and gray hair, long, which he wears with a parting in the middle. His mouth turns up at the corners, giving him an intelligent Mephistophelian expression when he smiles, his whole appearence and manner have an almost Jesuit elegance. His hands are very narrow, with long fingers that seem to have more joints than other other people’s. They are so flexible and supple that  just looking at them makes me nervous.

I have never seen such refined manners as his. When he stood to leave his box, for example, after his “adieux” to the ladies, he laid his hand on his heart and made his final bow, without exaggeration, just with a quite courtliness, which makes you think there is no other way to say goodbye to a lady!

THE ACTRESS WALKS ON STAGE , THINKING, THEN TO THE PUBLIC:

He is all spirit, but half the time it is, a mocking spirit! For the first lesson, I almost died when he called, “The American, to the ringI played like I was possessed. He said “Bravo! You played with courage

NARRATOR: He gives no paid lessons whatever, as he is much too grand for those little things! On the other hand, he can do some cruel things, for instance, he will rarely mortify anyone by an open snub, but he manages to let the rest of the class know what he is thinking while the poor victim remains quite in darkness about it!

NARRATOR: I remember him saying once “When I play, I always do it for the people in the gallery -he meant the cock-loft, where the rabble sit- so those persons who pay next to nothing also hear something”  In his demonstration the sound didn’t seem to be loud, it was penetrating, far reaching.

ACTRESS: He never talks about technique in classes, only interpretation, but I remember the day he told me “Miss, please do not move your hands as if you were beating eggs to make an omelet,”

NARRATOR: One day, Princess Caterina was playing and he thought it was so abominable that he snatched the score and knocked it down. The princess, elegantly, did not alter but looked firmly at him and said:

ACTRESS: Now who‘s going to pick it up ?

NARRATOR: Well, Liszt had to stoop and pick it up, as a punishment he imposed himself to give the princess not one but two lessons!

ACTRESS: His nature is compassion, he is exquisite, GLORIOUS! no mortal can compare to LISZT.

CLARA PLAYS VALS POETICO BY ERNESTO LECUONA

NARRATOR: Liszt had other great and stormy love affairs and one day told his grandson: The great success of my life was never having married.”

ACTRESS: Liszt was in Parisalmost 60 years of age and everyone knew he hated the notion of child prodigies

NARRATOR: I have no time for those artists to be”these creatures never come to anything. “

ACTRESS: when he was introduced to a 12 year old girl from Caracas: Teresa Carreño who had been described by a critic as “Liszt in petticoats”. Against his will he heard the child and putting his hands on her head he said:

NARRATOR: God has given you the greatest gift, he has given to you genius. Work hard and in time you will become one of us. “

ACTRESS: Teresa Carreño said she never forgot the weight of the hands of the great master over her head.

CLARA PLAYS MI TERESITA WALTZ  BY TERESA CARREÑO

NARRATOR: Always one single thought in my heart: To Die, always constant, that image is in my soul, to die. As my past, and future, my hope is to die,

ACTRESS: For him, death is a curtain that goes up and lets light in. It is a haunting image, it is the true joy or sorrow present in his music.

NARRATOR: Liszt died in 1886 in Beyreuth pleased to have witnessed a successful production of Tristan.

CLARA PLAYS MEPHISTO WALTZ BY LISZT

ROOM IN TOTAL DARKNESS  WITH  THE FINAL CHORD

Photography by Antolín Sánchez

Ningún mortal se puede comparar a Liszt, a FRANZ LISZT por Clara Rodríguez

14082503

Por Clara Rodríguez
Puesta en escena en Caracas en Julio del 2011

Personajes:

· Pianista: Clara Rodríguez

· Actriz: Caridad Canelón

· Narrador: Miguel Delgado-Estévez

Clara entra en la oscuridad de la sala y se sienta al piano, una luz tenue se hace más fuerte poco a poco y comienza a tocar el Estudio de Concierto No. 3 “Un sospiro”de Franz Liszt

ACTRIZ: Franz Liszt, pianista y compositor húngaro, ha sido descrito como la primera estrella rock. Su éxito extraordinario dio lugar a términos como Lisztomanía y Fiebre Lisztiana debido a la histeria que producían sus presentaciones públicas.

NARRADOR: Nació el mismo año de la firma de la primera Constitución de la República de Venezuela –¡Bicentenario el Maestro! – , tiempos de cambios y guerras en Europa, aunque su lugar de nacimiento, Raiding, apenas acababa de convertirse en Hungría –antes era territorio turco-. Seguía siendo un país feudal en donde los Señores vivían en insensato lujo.

ACTRIZ: Su padre, Adán, trabajaba para los príncipes de Esteráis en donde los conciertos eran la principal actividad…Haydn se ocupó de la programación por 30 años

NARRADOR: Liszt escuchó en su niñez mucha música clásica y también a los gitanos que vivían cerca de su casa.

ACTRIZ: Tocó su primer concierto a los 9 años y a pesar de tener fiebre palúdica impresionó a los oyentes. Un concierto posterior le aseguró una beca con la que pudo viajar a Viena, la ciudad de Schubert y Beethoven. Allí estudio con Salieri y con Czerny.

NARRADOR: Czerny con su disciplinado método decidió ser su maestro gratuitamente.

ACTRIZ: Dicen que, en señal de admiración, el mismo Beethoven le besó las manos al joven Liszt, aunque sus detractores opinaron que no era más que … parte de la publicidad que se le hizo al joven virtuoso.

NARRADOR: A los 13 años se instala con sus padres en París, la capital artística de ese momento.

ACTRIZ: Cherubini, el entonces director del conservatorio, no lo quiso aceptar como alumno a pesar de haberle rogado, llorado e inclusive presentarle cartas de recomendación de los nobles y aristócratas húngaros. A su padre y a Franz les invadió un sentimiento de fracaso.

NARRADOR: De todas maneras Franz pudo darse a conocer tocando muchos conciertos gracias a dichas cartas. ¡ En pocos meses era considerado la 9na. Maravilla del mundo !

ACTRIZ: …¡¡¡ Ayy Cherubini !!!

NARRADOR: A los 20 años conoció a tres personajes que tuvieron una influencia impactante en él: Paganini, Chopin y Berlioz.

ACTRIZ: Paganini había inventado una forma de virtuosismo misterioso. Sus composiciones imitaban el ruido de los truenos, el zumbido del viento, la risa. Su figura asombraba porque era solo huesos y piel, solo sus dedos lucían muy fuertes …

NARRADOR: Una de las grandes ambiciones de Liszt era la de transferir al piano los caprichos para violín de Paganini.

ACTRIZ: De Chopin le impresionó su espíritu y poesía musical, solo le interesaba el piano como medio de expresión. La admiración mutua que sentían está reflejada en la biografía que Liszt escribió sobre el gran polaco en donde cuenta, entre muchas otras anécdotas, el día en que Chopin se apareció a tocar en uno de los salones parisinos luciendo una peluca rubia – imitándolo.

NARRADOR: También apreciaba profundamente el genio creativo, casi violento de Berlioz.. Le tomó un poco de tiempo asimilarlo pero estudió sus técnicas de composición y orquestación haciendo transcripciones para piano de obras como la Sinfonía Fantástica.

ACTRIZ: Liszt también redujo al piano las 9 Sinfonías de Beethoven, hecho que ayudó a las generaciones subsiguientes a conocerlas.

CLARA TOCA EL ESTUDIO No. 1 Op. 25 de CHOPIN

ACTRIZ: Liszt era un intelectual, a los 22 años le escribe a su amigo Pierre Wolf:

NARRADOR: “Hace 15 días mi espíritu y mis dedos trabajan como condenados: Homero, Lord Byron, Chateaubriand, Victor Hugo, Beethoven, Platón, Mozart, Bach y la Biblia están a mi alrededor … Los estudio, medito, DEVORO con furor; encima practico de 4 a 5 horas diarias de ejercicios, terceras, sextas, octavas, trémolos, notas repetidas, cadencias, etc.; ¡ Si no me vuelvo loco, me haré un artista !!!”

¡ También tuvo su primera decepción amorosa con su alumna Carolina de Saint Cricq!

ACTRIZ: (Dramatizando) ¡ Mi padre me ha prohibido que vea a Franz, también me he enterado que ha caído en un estado depresivo por varios meses que lo a llevado a dejar de presentarse en público por 2 años, hasta se llegó a publicar que había muerto …

NARRADOR: … y siguió creciendo el mito.

Ya en su lecho de muerte Adán Liszt le había advertido a su hijo: “Cuídate Franz, porque por lo que veo, las mujeres serán tu perdición”.

ACTRIZ: Luego vino el romance secreto con la Condesa Adele Laprumarede algo al parecer un poco menos ardiente pero exitoso.

CLARA TOCA EL VALS ADRIANA DE MIGUEL ASTOR

ACTRIZ: Franz había amalgamado, en su manera de tocar, la vieja escuela clásica con su nuevo método e invenciones virtuosísticas. Su ataque y brillantez, velocidad y belleza de sonido unidos a su inteligencia y atributos físicos tenían gran efecto en los salones parisinos, sobre todo sobre el público femenino.

NARRADOR: Una de estas damas –amiga de Berlioz- se prendó del joven Franz, la Condesa d’ Agoult, casada y madre de tres niños. Ella tenía 28 años y Liszt 22. Se dice que era rubia, buenamoza pero sin el menor sentido del humor. A pesar de que no le gustaba la música, la pasión que sentía por Liszt la cegó sin importarle las consecuencias sociales que le traería esa relación que duró 10 años. Algunos lo tildaron de inmoral, pero esa relación le dio la calma necesaria para comenzar a desarrollar su trabajo como compositor.

ACTRIZ: Se instalaron en Ginebra y allí nació Blondine. Franz daba clases en el conservatorio. Su apariencia era todavía la de un adolescente; su pelo largo fue siempre tema de conversación entre sus conocidos, y en su dedo índice lucía un anillo de oro con una calavera de plata.

NARRADOR: Punqueto el maestro!!!

ACTRIZ: Luego en Italia se instalaron cerca del Lago Como en donde en 1837 nació Cósima.

NARRADOR: quien se casara, en su edad adulta, con Wagner.

CLARA TOCA “AU BORD D’UNE SOURCE” DE LISZT

ACTRIZ: El éxito alcanzado en Italia, particularmente en Milán fue traído a menos por unos artículos que escribió en la Gaceta Musical de Paris atacando el mundo musical italiano, especialmente a Rossini, por lo cual fue declarado persona non grata.

NARRADOR: La relación con la Condesa había comenzado a deteriorarse,¡demasiada responsabilidad que imponían ahora cinco niños !, era un impedimento en la realización de su carrera y viajes. Se repetían razones o excusas por lo cual discutir:

ACTRIZ:“Franz, anoche después de tu concierto, camino a casa, no me dirigiste la palabra, ¿por qué tanta frialdad?” ¿Por qué tienes que ir a tocar todos esos conciertos de beneficencia que te alejan tanto de nosotros?”

NARRADOR: En una carta Liszt le escribe:
“Marie! Marie! Déjame repetir ese nombre cien veces, mil veces. Por tres días ha vivido en mi interior, oprimiéndome y quemándome… Cielo, infierno, todo, todo en tí y de nuevo en tí… , debemos vivir con toda nuestra vivencia, amor, y toda nuestra congoja!
El día en que puedas decirme con toda tu alma, con todo tu corazón, toda tu mente: “permitámonos borrar, olvidar para siempre, cada cosa incompleta, penosa, y acongojante del pasado; permitámonos ser todo para el otro, porque ahora te entiendo y perdono tanto cuanto te amo”- ese día, y puede ser pronto, volaremos lejos del mundo, viviremos, amaremos y moriremos el uno por el otro solamente.”

ACTRIZ: Esas palabras pertenecían a un amor que agonizaba.

NARRADOR: Sus dos vidas parecían dos pianos desafinados !!!

ACTRIZ: Ella regresó a Paris con los niños y él …siguió su vida de trotamundos prácticamente por cada rincón de Europa.

CLARA TOCA SONETO 104 del PETRARCA de LISZT

ACTRIZ: Medallas, condecoraciones, sables y espadas de oro le fueron obsequiadas.Fue tan aclamado y amado como el pequeño Mozart lo fue en su tiempo.

NARRADOR: En una carta dice ”Praga es la ciudad que tiene el mejor gusto musical. En éste momento la aristocracia está encantada conmigo; las mujeres están a mi disposición, los hombres ceden a ésta situación con cierto humor”. Liszt hizo varias giras en Rusia con gran éxito. Al principio, el público lo encontró un poco excéntrico, allí a nadie se le hubiera ocurrido llevar una melena semejante y mucho menos adornarse las solapas con cuanta condecoración hubiera pero todas éstas especulaciones eran olvidadas cuando Liszt comenzaba a tocar, sencillamente: enloquecían bajo su hechizo.

ACTRIZ: Con sus conciertos hizo mucho dinero y llegó a hacerse construir un carruaje que ha debido ser casi una caravana en donde había una habitación y un estudio que contenía un piano.

NARRADOR: En ésta época su número de corbatas ascendió a trescientas sesenta y cinco. Una diferente para cada día del año.

NARRADOR: No volvió a Paris por un tiempo para evitar encontrarse con Madame d’ Agoult y se quedó viajando por el área mediterránea, acompañado por su amante del momento, Lola Montes.

ACTRIZ: Esa vida errante y de popularidad indiscriminada lo empezó a cansar. ¨Mi vida parece que va a ser una infinita búsqueda.

NARRADOR: “Siento que estoy marcado por una inutilidad que me pesa.¿Es que estoy condenado a éste trabajo de juglar de por vida?”

CLARA TOCA DESTILADO DE VALS DE RICARDO TERUEL

NARRADOR: El Gran Duque Carlos Augusto de Viena, le ofreció la posición de director musical de Weimar

ACTRIZ: Antes de tomar su puesto debía finalizar una de sus giras en Rusia y luego de su último concierto en Kiev encontró una cálida carta en su camerino que contenía 100 rublos.

NARRADOR:  Cien Rublos Fuertes

ACTRIZ: Al día siguiente fue a agradecerle el gesto a la remitente…su vida y destino fueron sellados…una vez más.

NARRADOR: Su nombre: Princesa Carolina de Wittgenstein 8 años menor que él, casada, pero separada de un príncipe millonario ruso adjunto al zar.

ACTRIZ: Una persona muy seria, gran lectora y religiosa como Liszt y como buena religiosa lo invitó a quedarse en su mansión donde estuvieron juntos por varias semanas.

NARRADOR: Ella lo seguiría apenas vendiera sus propiedades y se divorciara, pero el gobierno no le otorgó los permisos ni siquiera para salir de Rusia por lo que se escapó para encontrarse con Liszt en la ciudad donde vivirían por los próximos 12 años.

ACTRIZ: Liszt se dedicó a la composición y a montar y estrenar todas las óperas posibles. Admiraba y apoyaba a Wagner de quien decía que estaba componiendo la música del futuro.

NARRADOR: Así mismo se convirtió en el primer director de orquesta moderno y creó la orquesta como la conocemos hoy en día. Estos fueron los años de la invención de los poemas sinfónicos al igual que de la Sonata en Si menor para piano, obra suprema!

Escuchemos un fragmento de la Sonata en Si menor

CLARA TOCA LA SONATA EN SI MENOR DE LISZT (aproximadamente 10′ de la primera parte)

ACTRIZ: Al cabo de 12 años se sentía defraudado por la pequeñez mental de Weimar.

NARRADOR: “Si me hubiera dedicado a complacer únicamente al gusto de las grandes pelucas los periódicos no me hubieran insultado como lo han hecho”.

ACTRIZ: El encontraba consuelo en el amor de la Princesa, en la música y en la religión, esperaban poder casarse por lo que hicieron un viaje al Vaticano. La boda seria celebrada el día de los 50 años de Franz, en la iglesia San Carlos el Corso. En la víspera del matrimonio un enviado del Papa les anunció que ella estaba todavía técnicamente casada en Rusia y que su marido se oponía a la boda.

NARRADOR: ¡¡¡ Qué decepción tan horrible sufrieron este par de seres. Decidieron vivir separadamente, pero siempre mantuvieron una estrecha relación hasta el fin de sus vidas.

CLARA TOCA CARMEN ROSA DE FEDERICO RUIZ

NARRADOR: Liszt, por las circunstancias de su vida fue arrojado muchas veces a situaciones que tienen similitud con Fausto, él era Mefistófeles también, Negoció su talento con falsos dioses no siempre recibiendo el resultado deseado,

ACTRIZ: En la última etapa de su vida tenía la apariencia de un mago, aparte, vestía una sotana de monje. Llegó a recibir la Orden Provincial Franciscana en el Vaticano y produjo una gran cantidad de obras religiosas.

NARRADOR: Después de vivir en un apartamento en éste exclusivo “hospedaje” lo instalaron en la Villa Del Èste en donde pasó temporadas cada año por veinte años. En realidad le hubiera gustado que lo nombraran director musical del Vaticano pero su pasado -y presente- escandalizaría a Roma.

CLARA TOCA  VALS No 1 DE JUAN CARLOS NUÑEZ

ACTRIZ: El Duque de Weimar lo volvió a contratar y al mismo tiempo los húngaros lo invitaron a crear la Academia de Música de Budapest dos cargos que recibió gustoso, después de sus retiros en Roma se sentía revitalizado y libre…otra nueva princesa lo aguardaba, viuda, con niños, pero ardiente. La Baronesa Olga Meyendorff. Pero esa no sería la única Olga que ocuparía parte de su espíritu, hubo al mismo tiempo Olga La Cosaca.

NARRADOR: Esta joven no le temía a la naturaleza, cazaba lobos, domaba tigres, recorría la estepa a lomo de sus caballos árabes pura sangre, anarquista, atea, hacía disecciones de animales y sin poseer el talento necesario quiso ser también pianista … fracaso total !!!

ACTRIZ: En su primer encuentro con Liszt aceptó fumar un tabaco y al notar las figuras de un cristo y una virgen le preguntó al maestro si a “ellos” no les importaría el humo a lo que Liszt le respondió:

NARRADOR: “Mi niña, para ellos eso es simplemente otro tipo de incienso”

ACTRIZ: Lizst quiso terminar esa relación

NARRADOR: Ella se apareció en su apartamento de Budapest con una pistola, quería asesinarlo y matarse ella. Liszt llegò a decir que al lado de ésta muchacha George Sand era una tímida escolar.

CLARA TOCA DANZA DEL GAUCHO MATRERO DE GINASTERA

NARRADOR: una joven estudiante de piano norteamericana, AMY FAY , recorre Alemania con la idea de estudiar con el maestro

ACTRIZ: ¡Esta noche he ido al teatro y lo he visto! Liszt es el hombre más buenmozo e interesante que uno se pueda imaginar. Alto y delgado, con ojos profundos, cejas pobladas y pelo gris, largo, el cual lleva con una carrera por el centro. Su boca sube en las comisuras, lo que le da una expresión inteligente y a la vez Mefistofélica cuando sonríe, su manera y porte tienen una elegancia casi Jesuita. Sus manos son delgadas, con largos dedos que parecen tuvieran más articulaciones que las de las demás personas. Son tan flexibles y suaves que me pone nerviosa verlas.

Nunca he visto maneras tan refinadas como las de él. Cuando se paró para irse de su palco, por ejemplo, después de sus “adieux” a las damas, se puso una mano en el corazón e hizo una venia, sin exageración, simplemente con un aire cortes, el cual te hace pensar que ¡no hay otra manera de despedirse de una mujer!

ACTRIZ CAMINA POR EL ESCENARIO, PENSANDO, LUEGO AL PÚBLICO:

Él es todo espíritu, pero la mitad del tiempo –por lo menos-, ¡un espíritu burlón! Para la primera lección, casi me morí cuando llamó: “La americana, al ruedo” Toqué como si estuviera poseída. Me dijo “Bravo, tocaste con valentía”

NARRADOR: Liszt no se hacia pagar por las lecciones, él era demasiado importante y grandioso para esas pequeñeces!

NARRADOR: En su casa no se ponía el abrigo de monje hasta los pies, usaba uno más corto el cual se le veía más artístico y más…sexi. Decía que cuando tocaba lo hacia para la gente que se sienta en la galería – “gallinero”-, para que ellos también pudieran disfrutar, entonces sacaba un sonido no muy fuerte pero penetrante…

ACTRIZ: Nunca habla de técnica en las clases, solo de interpretación, pero me acuerdo del día que me dijo ”Señorita, por favor, no mueva las manos como si estuviera batiendo huevos para hacer una tortilla, ”

NARRADOR: Un día, la princesa Caterina estaba tocando y a él le pareció tan abominable que le arrebató la partitura y la tiró al suelo. La princesa, muy elegante, no se alteró pero lo miró firmemente y le dijo:

ACTRIZ: ¿Y ahora quién la va a recoger de allí?

NARRADOR: Bueno, Liszt se tuvo que agachar y recogerla, como castigo se impuso a si mismo darle no Una sino DOS clases seguidas a la princesa.

ACTRIZ: Su naturaleza es la compasión, él es exquisito, GLORIOSO! ningún mortal se puede comparar a LISZT.

CLARA TOCA VALS POETICO de ERNESTO LECUONA

NARRADOR: Liszt tuvo otros grandes y tormentosos amores y un día le dijo a su nieto: “El gran éxito de mi vida fue el nunca haberme casado”.

ACTRIZ: Liszt estaba en Paris, tenía casi 60 años y todo el mundo sabía que detestaba la noción de niños prodigios

NARRADOR: “No tengo tiempo para esos que “llegarán a ser artistas” “esas criaturas nunca llegan a nada”.

ACTRIZ: cuando le llevaron a una niña de 12 años para que la oyera, Teresa Carreño. Contra su voluntad la escuchó y poniendo sus manos sobre la cabeza de Teresita dijo:

NARRADOR:“Dios te ha dado su don mas grande, te ha dado genio. Trabaja duro y con el tiempo te convertirás en uno de nosotros”.

ACTRIZ: Teresa Carreño decía que nunca olvidó el peso de las manos del gran maestro sobre su cabeza.

CLARA TOCA MI TERESITA DE TERESA CARREÑO

NARRADOR: “Siempre un solo y único pensamiento tengo en mi corazón: Morir, morir, siempre y constante, esa imagen en mi alma, morir, morir. Como recuerdo, como futuro, como esperanza: morir,”

ACTRIZ: Para él, la muerte es un telón que sube y deja pasar la luz. Es una imagen obsesiva, es la verdadera alegría o tristeza presente en su música.

NARRADOR: Liszt murió en 1886 en Beyreuth satisfecho de haber presenciado una exitosa producción de Tristàn.

CLARA TOCA EL VALS DE MEFISTO DE LISZT

OSCURIDAD TOTAL DE LA SALA CON EL ACORDE FINAL DE LA PIEZA

Fotografía por Antolín Sánchez

Clara Rodríguez: “Vamos a hacer el Schumann”

Prensa FundaMusical Bolívar
Esa fue la frase con la que el maestro José Antonio Abreu invitó a la pianista venezolana Clara Rodríguez a tocar de nuevo en su país. La solista caraqueña, residenciada desde hace muchos años en Londres, se reencuentra así este jueves 31 de julio por tercera vez con la Sinfónica Simón Bolívar

Clara Rodriguez “Vamos a hacer el Schumann”

Cada vez que alguna de las orquestas y coros de El Sistema recorre distancias hasta otros países y continentes no solo está mostrando el arduo trabajo musical hecho en casa. Se convierte en una valiosísima plataforma para el intercambio cultural, por supuesto, pero también en una no menos importante oportunidad: la del reencuentro entre colores, recuerdos, raíces y calor humano entre venezolanos. Así ocurrió en el caso de la prominente pianista venezolana Clara Rodríguez, quien este jueves se adueñará de la Sala Simón Bolívar del Centro Nacional del Centro de Acción Social por la Música (Cnaspm) con el Concierto para piano y orquesta en la menor Op. 54de Robert Schumann. Esta caraqueña es la primera en el público en los conciertos de las agrupaciones de El Sistema en la capital británica, y el pasado mes de junio, cuando la Sinfónica Juvenil Teresa Carreño de Venezuela (SJTCV) volvió a Londres (Inglaterra), no fue la excepción.

“Después del concierto tuve un encuentro muy emocionante con el maestro José Antonio Abreu y me preguntó cuándo venía a Venezuela y qué quería tocar. Le dije que tenía preparado el Ravel y el Schumann, y me dijo: ´Vamos a hacer el Schumann´”. Esta deferencia e invitación no es solo por la raíces en común. A pesar de que Rodríguez se formó como pianista fuera del perímetro creado por El Sistema, está unida inexorablemente a su existencia: fue testigo en la década de 1970 cuando el maestro Abreu, “jovencito”, llegó a una de sus clases de armonía con el director del conservatorio Juan José Landaeta, Ángel Sauce, a conversar con él sobre “su proyecto de orquestas”; luego, alrededor de 1982, la primera concreción de esa visión, conformada como Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, le acompañó en su primer concierto solista con orquesta en la sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño; más adelante, en la década de 1990, se juntaron nuevamente en el escenario con el Concierto para piano y orquesta de Federico Ruiz. Esta elegante y delicada pianista venezolana que en 1980 fue a estudiar al Royal College of Music de Londres y que hoy es profesora de esa prestigiosa institución, ha consolidado una importante carrera como solista. Ha recorrido el mundo con las teclas como equipaje, y también, por supuesto, con un sólido repertorio barroco, clásico y romántico. Sin embargo, su principal pasaporte ha sido la música venezolana, y así lo ha dejado establecido en sus ocho producciones discográficas, cinco de ellas con el reconocido sello inglés Nimbus.

¿Cómo posiciona usted al Concierto en la menor de Schumann dentro del repertorio para piano?

Se considera la columna vertical del repertorio pianístico romántico. El primer movimiento es muy lírico, la orquesta tiene muchos solistas. Es de gran belleza. Schumann estaba muy enamorado de Clara, quien se convertiría en su esposa. Se lo escribió a ella. Siempre hay jueguitos de ternura, pasión, amor. Es una obra muy completa; la cadenza es casi una tocata estilo Bach. Con él Schumann se sale de los patrones que venían de Mozart, Beethoven, aunque conserva texturas.

Se reencuentra con la Sinfónica Simón Bolívar después de muchos años, ¿qué significa para usted estar acá, en la Sala Simón Bolívar, con una orquesta que pertenece a un movimiento vio nacer?

Me siento en casa… totalmente feliz de poder tocar en casa con esta orquesta maravillosa. Cada vez que ellos van a Londres, voy a los conciertos. La primera vez que tocó la Sinfónica Simón Bolívar en Los Proms, la BBC me llamó para comentar la transmisión del concierto en la radio porque me relacionan con El Sistema por ser pianista y venezolana. Entonces para mí, estar aquí hoy, después de que en los ´90 también toqué con ellos el primer Concierto para piano y orquesta de Federico Ruiz, y después de haber tocado en febrero de este año con la Sinfónica de Juventudes Francisco de Miranda, es genial. Esta invitación para tocar el Schumann es otro reencuentro. Además, trabajar con el director Jordi Mora ha sido excelente. Es un músico que reflexiona mucho sobre las frases, la dirección de la música, hacia donde va cada cosa. Hemos trabajado muy bien juntos.

A pesar de que ha viajado por el mundo con sus conciertos de piano solo y el repertorio académico de su instrumento, nunca ha dejado fuera la música de su país…

Sí, en Venezuela hay varios colegas que se han encargado de trabajar con nuestra música. Mi trabajo se ha enfocado en internacionalizarla; la he grabado con sellos internacionales. Creo que el primer disco de piano solo hecho fuera del país con repertorio popular, fue el que hice de Moisés Moleiro, de 75 minutos. En ese momento el público extranjero decía: “¿Venezuela, música venezolana?”, pero a ellos y a la crítica les fascinaba lo que escuchaban. Cuando yo me presentaba en diferentes países; Egipto, India, Siria, Túnez, lo hacía con eso, que era música que nadie conocía, claro que combinada con música clásica. Siempre me preguntaba cómo la iban a recibir. En ese momento era quizás un discurso un poco político, porque Venezuela no era conocida. Estamos hablando antes de que El Sistema fuera muy conocido, antes de que la Simón Bolívar fuera a los Proms la primera vez. Yo siento ese momento crucial, porque la gente comenzó a saber que Venezuela tenía música, y eso, incluso para mi trabajo, ha sido muy importante. Venezuela es reconocida ahora afuera por el éxito de las orquestas, y como un país musical de altísimo nivel.

A propósito lo último que menciona y de la visión que le da vivir fuera del país, ¿cómo ve lo que está pasando musicalmente?

Es extraordinario. Creo que es lo más grande que ha sucedido en música a nivel internacional. Yo no creo que haya un movimiento más grande que este en el mundo. Desde afuera ves en las orquestas venezolanas energía, organización, talento… un muy, muy alto nivel, y la gente lo admira mucho. Sé que los estudiantes ingleses quieren muchísimo a El Sistema. Sé que son admirados y queridos por todo el mundo. Hay pocas palabras para describir lo que significa, porque que tengas cinco mil muchachos tocando en orquestas entre Guarenas y Guatire (de eso me enteré cuando toqué con la Sinfónica de Juventudes Francisco de Miranda), es impresionante. Verlo desde afuera es la alegría, colorido, pero eso es simbólico. Vivir lo que se hace detrás de eso es muy, muy importante, y musicalmente, excelente. Cuando lo ves desde adentro te das cuenta que estás dentro de un sistema educativo. Esto es una escuela y no solo de música. Y, además, El Sistema ha sabido llevar eso hasta todo el país… ¡Guasdualito! En cualquier pueblo o ciudad, por recóndito que sea, hay muchachos de 14 años locos por tocar Bach… ¡es increíble!

Usted da clases en el Royal College of Music, así que cuando dice que los estudiantes ingleses admiran mucho a los músicos de El Sistema, lo dice con propiedad, ¿qué cree que admiran?

Sí, lo veo en los conciertos y se me han acercado muchos diciéndome que quieren venir para acá. Saben que son muy buenos, excelentes y ellos saben lo difícil que es eso. También les gusta mucho su energía y vitalidad.

¿Cómo se siente usted cuando recibe y observa tales manifestaciones?

Pues yo estoy muy orgullosa… y justo ahorita casi no aguanto las ganas de llorar.

¿Por qué siempre Chopin?

Frédéric Chopin (1810-1849)

Para los pianistas cada armonía e idea musical de este compositor nos hace literalmente “derretir”, la reacción es tanto física como química. Nos lleva a la nostalgia, o algo parecido, nos arruga el corazón y eso nos gusta! es como si abrieramos constantemente ventanas con miradas hacia caminos del inconsciente que vemos quizás de forma borrosa, él nos enfoca la imagen. Hay algo de lo que estoy tratando de decir en la famosa cita de Oscar Wilde: “Después de tocar Chopin, me siento como si hubiera estado llorando por los pecados que nunca he cometido, y el duelo por las tragedias que no son mías.”

Puedo decir con mucho gusto que mi profesora Phyllis Sellick estudió en Paris con Isidor Philipp, quien fuera alumno de Georges Mathias uno de los más connotados alumnos de Chopin lo quearts-chopin_65593c me acerca directamente al legado del venerado músico.

Estoy segura que no es necesario leer o saber nada sobre cómo fue compuesta la obra de este compositor para poder amarla pero de todas maneras he tenido el impulso de escribir algo sobre piezas que han vivido conmigo por muchos años, que he estado estudiando, tocando en conciertos y que grabé en un CD en el 2008.
La producción creativa de Chopin tiene la influencia de cuatro elementos fundamentales que aunque son opuestos se amalgaman y se revalorizan en ella: Polonia: de madre polaca, nació y fue educado allí; Francia: su padre era francés y éste fue el país en donde se residenció desde los 18 años hasta su muerte; los otros dos son el clasisismo y el romanticismo.
En términos del clasisismo, hay una rigurosidad en la lógica, la claridad y las proporciones de sus piezas. Hay que recordar que Chopin recibió su educación musical de dos maestros – Wojciech Zywny y Joseph Elsner- que lo ayudaron a que conociese profundamente la obra de Bach y de Mozart. Así vemos en su música una dosis fuerte del fenómeno que quiero llamar Ave Fénix ya que sus largas y lánguidas melodías -con sus juegos de tensión y relajación de los intervalos- al recorrer una distancia considerable y antes de llegar a término, renacen transformadas. Las curvas melódicas de sus obras se nutren de su admiración por el bel canto de Bellini y Rossini y sus acordes obedecen a una especie de goce sensorial netamente francés.
El aspecto romántico está dado por el empleo de la modalidad que en Chopin corresponde a una necesidad interior y que sirve su voluntad de querer ser un músico nacionalista
Chopin compuso Mazurcas y Polonesas a lo largo de toda su vida, por un sentimiento patriótico seguramente y tambien como una exploración personal de la música popular, música que por demás Chopin amaba, estudiaba y la cual se encuentra presente, ya sea de manera subterránea o inmediata dentro de toda su obra.

Para el CD grabé la Mazurka Op. 24 No 4  porque es una muestra del talento narrativo de Chopin  y la escogí a pesar de ser más temprana que el resto de las piezas presentes en esa colección porque contrasta con el carácter oscuro e improvisatorio de la Mazurka Op. 63 No 2.
A veces los títulos de muchas de sus piezas han podido ser trasladados a otras. Por ejemplo, las fantasías hubiesen podido llamarse baladas o algunos estudios lentos, nocturnos. Chopin mismo habla del dilema que varias veces sintió en cuanto a qué título ponerle a sus piezas. En una carta a sus padres dice que ha compuesto la Sonata de cello, la Barcarolla y ¨otra cosa que no sé cómo titular¨. Se estaba refiriendo a la Polonesa-Fantasía Op. 61. Efectivamente fantasía es la palabra clave en ésta pieza, aún cuando ella presente alusiones rítmicas de la polonesa. Es una obra mas audáz y compleja que las otras polonesas y fue escrita en Nohant, Francia, en 1846 durante su último verano en la casa de George Sand.
El término fantasía también le permitía a Chopin explorar cualidades de carácter narrativo, musicalmente hablando, sin tener que plegar su discurso a un programa específico, la forma libre de éstas composiciones lo impulsaba a darle rienda suelta a su imaginación.Es interesante notar que aunque Chopin tuvo una estrecha amistad con los mas grandes poetas polacos de su tiempo –Mickiewcz, Slowacki, Kransinski- y con el pintor Delacroix, detestaba que la gente tratara de encontrar explicaciones extra-musicales o significados relativos a lo que lo había podido llevar a escribir alguna obra. A uno le dá la impresión de que él destilaba para su música lo que su observación de la vida misma o de una obra de arte le hubiesen podido producir. De allí el carácter abstracto y puro de su música, quizás comparable a la de Beethoven en ese sentido.
De Chopin siempre se piensa que sólo escribió piezas cortas, sin embargo sus dos conciertos para piano y orquesta y sus sonatas son grandes obras cíclicas. Ellas son clásicas en el sentido de que presentan una completa armonía dentro de sus elementos, entre la forma y el contenido.
La Sonata Op. 58 No 3 está compuesta por cuatro movimientos. El Allegro maestoso se caracteriza por tener un primer tema sumamente épico el cual contrasta con el segundo mucho mas lírico e “italiano”.Este movimiento tiene un razgo fudamentalmente no-beethoveniano ya que su primer tema no está presente en la recapitulación, la razón puede ser el número de veces que se escucha en la exposición y en el desarrollo mismo, sólo aparece una vez mas en sus compases finales. El segundo movimiento es ligero y luminoso, con una interesante construcción contrapuntística es su sección central. El Largo comienza con la nota final del Scherzo (Mi bemol=Re sostenido) y modula hacia la tonalidad principal de Si mayor, éste es considerado como uno de los nocturnos mas inspirados de Chopin. El Finale cierra la obra con una tarantela centelleante y triunfal.
La Barcarolla, con su alusión a Venecia, utiliza ésta idea rítmica y quizás visual, sólo como punto de partida para una exploración de tejido entre forma, estructura y diferentes voces en contrapunto. La indicación “esfogato” de la cadenza central es una alusión a un´color´ y con esto sumado al estilo de la pieza nos da la ilusión de haber pre- iluminado el camino de los compositores impresionistas.
El Nocturno Op. 62 No1 con su carga armónica de comienzos abruptos y episodios en trinos es uno de los 14 nocturnos escritos por Chopin que aunque se dice que no le interesaban las composiciones de otros, parece haber modelado éste géenro de música melancólica sobre el trabajo del irlandés John Field.
La 4ta. Balada representa un concentrado del tratamiento que Chopin hace en cuanto a forma, estilo y narración. Ella engloba la formas de la sonata, el rondó y las variaciones, con racimos de expresivas melodías y entradas fugadas. Su incisiva coda pareciera liberar todas las tensiones y conflictos que la preceden dentro de un carácter de quemante virtuosidad.
El período en que fueron compuestas las obras en cuestión fue dramático en la vida de Chopin; la pérdida de su amigo Jan Matusysnky por tuberculosis, la tensión y eventual ruptura de su relación con George Sand así como el declive moral que su propia enfermedad le proporcionaba.
Hoy se consideran estas obras como la cima del repertorio pianístico y aunque Chopin exploró a lo largo de su vida las posibilidades técnicas y expresivas del piano, centrando su genio creativo en ese sólo instrumento, es imposible pensar que sus otras composiciones, inclusive las tempranas, son menos importantes. Creó así un riquísimo universo de incomparable diversidad de sonidos y emociones a través de toda su creación.
Sin ninguna duda, Chopin es el alma del piano y ha sabido meterse en el alma de los pianístas con sus infinitas dificultades pero de reultados de elevadísima factura verdaderamente artística.
Clara Rodríguez

¿Quieres saber algo sobre la vida de Robert Schumann y su Concierto en La menor ?

Cuando yo era una niña me gustaba mucho leer un libro de Marcel Brion que me regaló mi padre de cartas entre Robert Schumann y Clara Wieck,  podía imaginar la intensidad de ese gran amor, lo romántico que parecía toda aquella creación de obras como Papillons o Carnaval con todos esos códigos secretos.

Ahora que he recibido una invitación del Sistema de Orquestas de Venezuela para tocar el Jueves 31de Julio el de Concierto en La menor Op. 54 quisiera compartir algunas fechas y hechos de la vida de Robert Schumann los cuales me acercan aún más a la obra y sentimientos de ese genial compositor.

Debo decir que me siento muy honrada por esa magnífica oportunidad que me brinda la Orquesta Simón Bolívar de tocar y con ellos bajo la dirección del catalán Jordi Mora.

Conozco bien el trabajo de finísima factura de nuestra gran orquesta y hace dos días tuve el encuentro con el maestro Mora, he quedado muy impresionada por sus maravillosas ideas sobre el fraseo y la construcción de la obra.

Robert Schumann nació en el año de 1810 en Alemania. Su padre era escritor de novelas con influencia de Walter Scott y de Lord Byron, fue también editor de un periódico y gran lector por lo que Schumann estuvo siempre rodeado de libros; de su madre sabemos que era la hija de un cirujano y que se oponía a que su hijo fuese músico por lo que el joven Robert se inscribió en la Universidad de Leipzig para realizar estudios de derecho. Allí conoció a dos de los grandes escritores de la época: Jean-Paul Richter y Heinrich Heine por los que sentía mucha afinidad.

En realidad a Schumann le gustaba mucho escribir “No estoy seguro de lo que soy” escribió en su diario, agregando “No creo que sea un pensador profundo pues nunca puedo desarrollar un pensamiento del principio al fin” Delante las grandes emociones que siente racciona como poeta y como compositor, sólo que cuando se trata de realmente expresarse, la música es su guía, él tiene la impresión de que las palabras se quedan cortas comparadas a la intensidad que le puede proporcionar la expresión musical. Son las imágenes poéticas, su abstracción y el sentimiento afectivo lo que mas le interesa.

Contrariamente al realismo que los artistas perseguirán mas adelante en la historia del arte, para Schumann como para la mayoría de los románticos, no es el arte el que pertenece a la vida cotidiana sino que la vida entera es una experiencia estética.

En 1830 su madre acepta que sea músico y el joven se instala en la casa de Friedrich Wieck (1785-1873) de quien comienza a recibir lecciones de piano.  Robert se dedica por entero al instrumento olvidándose de escribir su diario íntimo o de componer pero poco tiempo después le escribe a su madre para expresarle el deseo que tiene de ir a estudiar con Hummel, ya que “el viejo” Wieck sólo está dedicado a hacer de su hija Clara una gran pianista. En 1831 sigue algunos cursos de composisción con Heinrich Dorn (1804-1892)

En  1831 Schumann está entusiasmado con los escritos de E. T. A Hoffmann y por la obra de Chopin escribiendo en el Allgemeine musikalische Zeitung “Me quito el sombrero señores, Chopin es un genio!”

En 1832, abandona el objetivo de ser un concertista quizás debido a un procedimiento mecánico que realizó con la idea de mejorar su destreza, lamentablemente se le paralizaron algunos dedos de la mano derecha. Por este tiempo se interesa por la técnica de composición de Johann Sebastian Bach.

Por el año 1833 sus problemas mentales se agravan, él presentía esas crisis desde hacía mucho tiempo de manera esporádica pero comenzó a tenerlas  consecutivamente.

En 1834 funda una escuela de música la cual dirige practicamente solo durante diez años, la Neue Zeitschrift fur Musik. Ese mismo año se compromete con Ernestine von Fricken (1816-1844), una alumna de Wieck, ese compromiso fue roto en 1835 año en el que conoce a Chopin y a Félix Mendelssohn y comienza el romance con Clara Wieck quien tiene entonces 15 años.

Clara obtiene un gran éxito en Viena en 1838 en donde es nombrada virtuosa de la cámara imperial. El proyecto de Schumann de instalarse con ella y de editar su revista de crítica musical no se da. Friedrich Wieck se opone ferozmente a la unión de su hija con Schumann inclusive por medios de muy baja calaña, amenazando con desheredar a Clara y acusándolo a él de alcóholico. Robert y Clara acuden a la justicia y ganan el juicio. Se casan el 12 de Septiembre de 1840 en Leipzig. Tuvieron ocho hijos. Ese mismo año nombraron a Robert doctor de la Universidad de Jena por un ensayo sobre la música dentro del teatro shakespeariano.

En diciembre de 1843 Schumann acompaña a Clara a una gira de conciertos en Rusia donde es tratada su enfermedad pero agrava al regresar a Leipzig, ese mismo año vende su revista Neue Zeitschrift.

Con una pequeña mejoría entre 1845 al 1847 los Schumann van de gira artística por Viena, Brno, Praga, Berlin. La muerte de Félix Mendelssohn lo afecta particularmente y le dedica una de las piezas del Album de la Juventud. Entre 1850 y 1853 tiene el puesto de director de  la música en Düsseldorf, ciudad en donde reside en esos tres años pero su estado mental sigue deteriorandose.

El 27 de Febrero de 1845 durante una crisis de demencia se lanza en las heladas aguas del río Rhin de donde es salvado para luego ser internado cerca de Bonn donde muere el 29 de Julio de 1856, algunos investigadores dicen que no se sabe exactamente de qué enfermedad padecía, inclusive se ha llegado a decir que murió por el maltrato que recibió en el hospital.

La escritura pianistica de Schumann es muy personal, el virtuosismo que ella requiere es quizás menos “natural” que la de Liszt: los dedos no parecen estar a sus anchas completamente, los patrones, la geografía del teclado que hay que abordar y cómo hay que hacerlo es exigente y entrevesada. Fuerza, suavidad, elasticidad, acordes, juego polifónico son parte de las exigencias. Todo es puesto al servicio de un mundo afectivo complejo que incluye la calma y la poesía así como la violencia, lo grotesco y a veces verdaderos estados febriles.

Marcel Brion comenta que Schumann quizás no hubiera sido el prodigioso creador para piano que es, si cuando Wieck le prohibió ver y escribir a Clara, no hubiera hallado en este instrumento su solo lazo de unión con ella. “No creo –escribe- que exista un solo compás, nacido entre 1830 y 1840, en el que no estuviera incluido el pensamiento de Clara”.

Marcel Brion comenta que Schumann quizás no hubiera sido el prodigioso creador para piano que es, si cuando Wieck le prohibió ver y escribir a Clara, no hubiera hallado en este instrumento su solo lazo de unión con ella. “No creo –escribe- que exista un solo compás, nacido entre 1830 y 1840, en el que no estuviera incluido el pensamiento de Clara”.

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Schumann escribió tres conciertos, para piano, violín y violonchelo, el primero de ellos, opus 54, en La menor, está considerado como una de las columnas básicas del repertorio para piano y orquesta. Schumann había compuesto en 1841 una fantasía para esta combinación, pero no estando satisfecho con ella la dejó reposar durante un tiempo. En 1845 la revisó cuidadosamente y añadió al inicial otros dos movimientos, con lo que formó su Concierto para piano. El resultado fue una obra singular, alejada del modelo de concierto establecido por Mozart y consolidado por Beethoven, que el propio Schumann calificó de «algo entre concierto, sinfonía y gran sonata».

El estreno tuvo lugar el 1 de enero de 1846 en Leipzig, teniendo a la esposa del compositor, Clara, como extraordinaria solista. Hasta casi el final de sus días, en 1896, tocó esta gran artista el concierto de su marido por las salas de concierto de Europa. Edvard Grieg (estudiante en el Conservatorio deLeipzig en aquellos momentos), escucharía el concierto, interpretado de nuevo por Clara Schumann, en 1859, y reflejará en su Concierto para piano y orquesta en La menor la influencia schumaniana.

Consta este Concierto para piano y orquesta en la menor Op. 54 de tres movimientos, si bien el segundo de ellos se funde con el tercero:

Allegro affettuoso. la orquesta toca un solo acorde fortísimo y seguidamente el piano toca una serie de acordes de forma descendiente e impresionante para luego exponer el tema principal el cual es la base de todo el movimiento. El segundo movimiento Intermezzo – Andantino grazioso es una tierna, íntima, conversación entre el piano y la orquesta, el cual sin interrupción, después de recordar el primer tema del primer movimiento sigue hacia el triunfal tema  del tercer movimiento, el  Allegro vivace el cual presenta gran y variada riqueza melódica,  ritmos marcados, con pasajes sincopados y una especie de vals de gran efecto.